The festival, under the theme "Autonomy (im)possible?", is dedicated to
art, hacktivism and open culture and organised by Us(c)hi Reiter -
servus.at, with the contributions of external curators: among myself,
Heath Bunting, and Margaritha Köhl, and the involvement of many other
people (read more here: http://www.radical-openness.org/2014/team).
Below is a summary about the Disrupting Business Conference Track.
## Disrupting Business at Art Meets Radical Openness Festival
The increasing commercialisation of sharing and networking contexts is
transforming the meaning of art and that of business. Business is
progressively adopting hacker and artistic strategies of disruption in
the field of social media and information technology. In the business
culture, disruption not only means rupture, but innovation and the
re-design of behavioural tendencies, acting in ways that the market does
not expect. The Wikipedia Encyclopaedia shows the example of 'new-market
disruption' caused by the GNU/ Linux Operating System, which initially
was inferior in performance to other server operating systems like Unix
and Windows NT, but by being less expensive and collectively improved,
in 2010 Linux was installed in 87.8% of the worlds 500 fastest
supercomputers. As pointed out by Tatiana Bazzichelli in her book
'Networked Disruption' (2013) and in 'Disrupting Business' (co-edited
with Geoff Cox, 2013), to investigate the progressive commercialisation
of sharing and networking platforms, it is necessary to understand
business culture from within. What is the challenge facing artists and
activists working on a critical dimension of networking? The notion of
disruptive business becomes a means for describing immanent practices of
hackers, artists, networkers and entrepreneurs, working consciously on
artistic, political and technological practices. Disruption becomes a
means for a new form of criticism.
Saturday May 31, 19:00-19:40
## Disrupting Business: Towards a Critique of Art & Activism
by Tatiana Bazzichelli
http://www.radical-openness.org/programm/2014/disrupting-business-towards-critique-art-activism
At the core of this presentation is Tatiana Bazzichelli's research on
business disruption as artistic and activist practice. Her hypothesis,
described in the book 'Networked Disruption' (2013) is that mutual
interferences between art, hacktivism and the business of social
networking have changed the meaning and contexts of political and
technological criticism. Hackers and artists have been active agents in
business innovation, while at the same time also undermining business.
Artists and hackers use disruptive techniques of networking within the
framework of social media, opening up a critical perspective towards
business to generate unpredictable feedback and unexpected reactions;
business enterprises apply disruption as a form of innovation to create
new markets and network values, which are often just as unpredictable.
Bazzichelli proposes the concept of the Art of Disrupting Business as a
form of artistic practice within the current economical and political
framework. The notion of disrupting business becomes a means for
reflecting on immanent practices of hackers, artists, networkers and
entrepreneurs, highlighting empirical and theoretical interconnections
and contradictions, as multiple layers of intervention.
Saturday May 31, 20:30 - 22:30
## Openness and Liberty as Business Disruption
Panel with Marc Garrett /Furtherfield, Karlessi /Ippolita collective,
Nathaniel Tkacz /MoneyLab. Moderated by Tatiana Bazzichelli.
http://www.radical-openness.org/programm/2014/openness-and-liberty-business-disruption
This panel traces the shift in the meaning of "openness" and "liberty"
in relation to forms of "business disruption". Since some years a
certain vocabulary of freedom and peer collaboration has been adopted by
the rhetoric of IT business and social networking. Do-It-Yourself,
sharing knowledge, hackability, and similar concepts first witnessed in
the underground interventionist realm of hacker culture and networked
art are today the core business for many enterprises. Many hackers and
activists have pointed out that the rhetoric behind Web 2.0 has been via
a progressive appropriation – and often, disambiguation – of hacker and
cyber utopias of the 1980s-1990s. In this panel activists and critical
thinkers reflect on the subject of co-optation of radical values by
business models, shedding light on the constant paradox of being
functional to the system while trying to disrupt it. Are openness and
liberty forms of business disruption by empowering flexible mechanisms
of revenues and the technical genealogy" of anarcho-capitalism?
# Insider Liberties: A Technical Genealogy of Cryptography by Karlessi.
From cypherpunks to WikiLeaks and beyond. We will trace a genealogy of
liberties' concepts and their technical implementations, leading from
the cypherpunk movement (1990s) to WikiLeaks. We will focus specifically
on cryptography as the key-concept in order to foster, and defend,
liberties. Cryptography is in some way a disruptive concept and
practice. In this endeavour, we only use archives, to employ a
foucaldian terminology (Foucault 1969), provided by documents widely
published on the Web. We don’t have any insider information, leak or
whistle-blown secret. Nevertheless, we are insiders via our methodology
because we are not stranger to this genealogy, we are part of it, we are
involved in the construction of digital worlds since before the Web. We
just use a vast amount of data and act as human filters to reconstruct a
reliable account in reasonably good time.
# Marc Garrett will discuss the critical intentions behind Furtherfield,
its online community, the physical Gallery space, and the new
Furtherfield Commons and lab space, and its role as a radical arts
collective. For over 17 years Furtherfield has engaged in Art,
Technology and Social Change. Through this grounded knowledge, he and
his peers have witnessed that the mainstream art world as becoming less
relevant, due its reliance on neoliberal values through its unregulated,
marketing economies. If we are to disrupt the powers these conditions we
need to build beyond our silos and offer valid forms of imaginative
emancipation, we need something closer to people’s actual needs. He sees
connections between Radical Enlightenment from the 1800s, to new forms
of critical theory and art activism as possible solutions, and this
includes the practices of Hacktivism, Situationism, Net Art, Media Art
practice, P2P culture and networked art, alongside punk, DIY and DIWO
culture.
# Open Organisation and Monstrous Markets: How to be 'Actually
Disruptive', by Nathaniel Tkacz
What does an open mode, an open form of organisation look like? What are
the specific problems that it responds to and how does it constitute
itself? The problem or challenge of openness is not at all new, and it
has always been well suited to certain neo-liberal 'rationalities'. A
lot of seemingly progressive aspects of openness (collaboration,
participation, merit, ad-hocracy, spontaneous organisation, forking, and
so on) are in some ways old arguments in new clothes.
Perhaps the biggest question, or challenge, for openness is its
relationship to the ideology of the market in neoliberal thought. This
presentation reflects upon the concept of openness as an emancipatory
project, questioning organisation structures, and beyond that, economic
logic. I finish by turning to recent market experiments in network
cultures, experiments that are both compatible with some liberal and
libertarian doctrines, but take the logic of the market in monstrous
directions.
More about AMRO Festival here:
http://www.radical-openness.org/
All Posts (2050)
DanceOn would love for you check out our #MJLove dance video campaign and tribute to the King of Pop!
Watch D-Trix's amazing dance video: http://bit.ly/1sJA6hn
Spread the word that we want fans to submit their videos as well to go in our #MJLove Playlist on YouTube: http://bit.ly/1iiUJJJ Thanks so much #MJfam!
CALL FOR ENTRIES IS OPEN!
VIDEOS, PERFORMANCES AND INSTALLATIONS
DEADLINE: 25TH JULY
6th InShadow - International Festival of Video, Performance and Technologies
December 2014
São Luiz Teatro Municipal, Teatro do Bairro and other venues, museums and galleries in Lisbon (Portugal)
ACCEPTED GENRES
a) Video Dance / the videos in competition run to 8 awards attributed by the Official Jury, Schools Jury, Vo'Arte Jury and Public. Entry form here.
b) Documentaries / the videos in competition run to an award attributed by the Documentary Jury. Entry form here.
c) Performance (solos) / Presented in alternative spaces in Lisbon. Entry form here.
d) Installations / Presented in alternative spaces in Lisbon. Entry form here.
SUBMISSIONS
Read the regulations thoroughly here, fill in the online entry form for each genre at the SUBMISSIONS subtabs and send the film via wetransfer to info@voarte.com (features: Quick Time, codec H264, in HD if possible) until 2GB (maximum capacity of wetransfer) or, alternatively, send the DVD and other elements as in the point B) of the regulations to:
Vo'Arte
InShadow – 6th International Festival of Video, Performance and Technologies
Rua S. Domingos à Lapa, nº 8N 1200-835 Lisboa, Portugal
E-mail (for questions related to the regulations and online entry form) voarte@voarte.com
For file sharing please send to: info@voarte.com
Tel: +351 21 393 24 10 or +351 91 404 04 71
Vo’Arte and InShadow Festival are on Facebook!
Like us!
We’re looking forward to receive your works!
El encuentro MOV-S en Bilbao se celebrará coincidiendo con la celebración del festival 3, 2, 1. Encuentro Internacional de Nuevas Formas Escénicas que organiza AlhóndigaBilbao.
Más información aquí.
26-28 Mayo
10:00 - 15:00 h. Ion Munduate. Taller Translation. Taller.
28 Mayo
19:00 h. Marie-Caroline Hominal. Master Class.
29 Mayo
11:00 - 23:00 h. Polifemoren begia. Plastique fantastique. Arquitectura efímera.
11:00 - 23:00 h. Liquid Docs. LiquidMaps.org. Instalación, proyecto WIP.
11:00 - 21:00 h. Group Holomatter. Sisybot. Instalación.
11:00 - 21:00 h. Sra. Polaroiska & Elssie Ansareo. 3, 2, 1 shout, oihu egin, grita. Fotografía/videocreación.
18:00 h. Danse Carpe Diem / Emmanuel Jouthe. Écoute pour voir. Danza experiencial.
19:00 h. Amanda Piña & Daniel Zimmermann. Presentación del Ministerio de Asuntos del Movimiento de Austria. Acto oficial.
20:00 h. Marie-Caroline Hominal. BAT. Danza/Performance.
21:30 h. Cie. Nuna / YoungSoon Cho Jaquet. Pilze. Performance.
30 Mayo
11:00 - 23:00 h. Polifemoren begia. Plastique fantastique. Arquitectura efímera.
11:00 - 23:00 h. Liquid Docs. LiquidMaps.org. Instalación, proyecto WIP.
11:00 - 21:00 h. Group Holomatter. Sisybot. Instalación.
11:00 - 21:00 h. Sra. Polaroiska & Elssie Ansareo. 3, 2, 1 shout, oihu egin, grita. Fotografía/videocreación.
11:00 - 21:00 h. Jordi Galí. T. Instalación.
17:00-22:20 h (cada 20 minutos). Marie-Caroline Hominal. Le triomphe de la renomée. Danza /Performance.
18:00 h. Cindy Van Acker. Helder. Danza.
18:00 h. Danse Carpe Diem / Emmanuel Jouthe. Écoute pour voir. Danza experiencial.
18:30 h. Jordi Galí. T. Francia. Performance
20:00 h. Ana Borralho & João Galante. Atlas Bilbao. Performance.
21:30 h. Alessandro Sciarroni. UNTITLED_I will be there when you die.. Danza
00:00 h & 01:00 h. Xabier Erkizia & Ainara LeGardon. Paseo sonoro. Las nuevas formas del silencio. Performance sonora.
31 Mayo
11:00 - 23:00 h. Polifemoren begia. Plastique fantastique. Arquitectura efímera.
11:00 - 23:00 h. Liquid Docs. LiquidMaps.org. Instalación, proyecto WIP.
11:00 - 21:00 h. Group Holomatter. Sisybot. Instalación.
11:00 - 21:00 h. Sra. Polaroiska & Elssie Ansareo. 3, 2, 1 shout, oihu egin, grita. Fotografía/videocreación.
17:00 - 22:20 h (cada 20 minutos). Marie-Caroline Hominal. Le triomphe de la renomée. Danza/Performance.
17:30 h. Ion Munduate. Translation. Presentación pública.
18:00 h. Danse Carpe Diem / Emmanuel Jouthe. Écoute pour voir. Danza experiencial.
19:00 h. Jordi Galí. T. Performance.
20:00 h. Cindy Van Acker. Monoloog. Danza.
21:00 h. Guillaume Marie & Tazcorp. Edging. Danza
Dance Artist and choreographer Chisato Minamimura is looking for three professional dancers to work on and perform her new work, Ring the Changes+ produced by body>data>space and premiering at SouthBank as part of the Unlimited Festival in September 2014.
Ring the Changes+ explores choreography and visual sound/music from Chisato’s deaf perspective. A complex and interactive work it will incorporate movement, sound/ music, voice and technology, generated by the dancers and Chisato from a series of mathematical choreographic scores.
You can read more on Ring the Changes+ and see video: http://www.bodydataspace.net/projects/chisato-minamimura/
The contract runs for 5 weeks contracts. Rehearsals will take place in July 2014 and work through to the premiere at Unlimited 2014, Southbank this September, with the possibility of national and international touring dates towards the end of 2014/15.
Deaf and Disabled dancers are encouraged to apply.
Applicants should have
- Strong contemporary technique
- Experience in generating own material
- Capacity to learn and adapt to existing material quickly
- Experience in working with music and rhythmic scores
- Previous experience in working with technology/digital artists
Please send the following elements to Chisato angel-c@h-and-c.jp by 5pm on Friday 23rd May
- Your specific interest in this work
- Your CV or biography
- Links to some of your performance work
Selected applicants will be invited to an audition in London on Saturday 7th June.
23rd May: Application deadline
30th May: Invitation to the audition
7th June: Audition
14th June: Successful applicants will be notified by email
Between 27th July to 7th September: 5 weeks rehearsals and performance
Chisato’s website: http://chisato.h-and-c.jp/index_e.html
Los asistentes al seminario MOV-S que se celebró en Galicia entre el 11 y el 13 de marzo participaron, de forma colectiva, en la elaboración de este documento sobre Programación Expandida.
Éste, junto con el documento sobre El Papel de los Museos y los Centros de Arte en relación a las Artes Vivas, están actualmente en proceso de redacción. El que os presentamos es una segunda versión de un texto que ya os presentamos con anterioridad en una primera versión y que sigue siendo susceptible de cambios que iremos anunciando.
Ambos serán presentados ante diferentes instituciones públicas y privadas del Estado para intentar que pongan en práctica, a medio plazo, los modos de operar propuestos en los mismos. Esperamos que puedan servir como herramientas de trabajo para artistas y mediadores en el futuro.
La PROGRAMACIÓN EXPANDIDA (PE)
¿Qué es una Programación Expandida?
Una Programación Expandida es un ecosistema de relaciones formales e informales que se configuran a partir de una práctica artística con una comunidad y un contexto determinados.
Para nosotros es aquella que se expande en los espacios, en los dispositivos que propone y los agentes con los que se relaciona. Aquella que se interconecta de forma espontánea con las comunidades y los contextos.
Un Programa Expandido ha de contener la presentación de una idea o pensamiento, de una práctica o investigación, de una estética o composición. Aquello que quiere exponer lo hace por medio de una producción artística por un lado pero no deja de lado la práctica del artista que la produce, sino todo lo contrario, visibiliza, vincula, conecta, expande estas prácticas con las comunidades y los territorios que le son afines o que le vienen dados.
Para esta expansión son válidas todas aquellas formas o dispositivos artísticos que se quieran plantear y que, a sugerencia del artista, sean formas de comunicarse con las personas proponiendo otros modos de ver y entender el mundo.
1/ Opera como un Ecosistema
Un programa expandido podría operar con todo el ecosistema de las artes vivas interconectándolo con la vida real contenida en el contexto en el que se sitúa. La idea de la PE puede ser vista en el flujo interminable de la naturaleza: el ecosistema artístico (teórico, social) es un émulo del ecosistema natural en el que estamos todos unidos. Si la naturaleza funciona en redes interconectivas, ¿por qué los espacios de arte no van a funcionar así?
2/ Contiene la producción y la práctica artística
Todo espacio que se una a la PE deberá abrirse a una lógica constructiva de espacio productor y receptor de articulaciones artísticas de todo tipo, dentro de un contexto nuevo. Ese nuevo contexto implica una generación unitaria de lo productivo y lo generativo. El espacio que se acoge a una PE se compromete a romper el monólogo que se suma a lo en boga, de manera que se arriesga a innovar (producir) articulaciones creativas (prácticas) aún no pensadas. Comprometerse con la PE es disponer en la gestión del espacio una serie de recursos (físicos, materiales, económicos, cognitivos) para que este hecho sea realizado. El espacio se transforma en laboratorio generador de prácticas e hibridaciones en lo productivo (vid. nuevas formas de producir). El espacio que articula una PE se compromete sensu stricto a que eso se realice.
3/ Adviene una contractuación que implica un acompañamiento
Todo espacio que comience a articular un tipo de PE realiza un contrato (virtual, pero también físico, legislativo) por el que comienza a abrirse a un proceso de co-gestión con otros espacios vinculados a la PE, en una red de espacios que legislan prácticas expansivas en su programación.
4/ Proyecta espacios y eventos atravesados por la experiencia lúdica
El espacio que se compromete a la PE realiza una disposición de su lugar como ámbito para el intercambio y para los encuentros no necesariamente profesionales, en el sentido que otorgamos al término hoy día. Se abre, por tanto, a la creación de un espacio para el gozo y lo lúdico. Se tiene en cuenta en todo evento proyectado dentro de la articulatividad de la PE la cuestión de la diversión, el ocio, el aprendizaje humanístico, el lúdico aproximarse a la obra, a las prácticas, sin por ello perder el rigor y la profundidad. La PE genera la posibilidad de un homo ludens.
5/ Despliega un diálogo
Cada lugar (por la vinculación con la PE y los acompañantes procedentes de otros espacios artísticos) comienza a abrirse a la dinámica, el cambio, la metamorfosis y la investigación. Cada espacio, de este modo, va ‒con el tiempo‒ perfilando un discurso (un lenguaje) que lo caracterizará y que es puesto en diálogo con los otros espacios y con los sujetos que habitan el espacio, sean creadores o personas que asisten a eventos que allí se realicen. La PE hace, por lo tanto, conversacional el proceso de proyección articulativa del espacio.
6/ Está abierto a nuevas interactividades y en conectividad con otros espacios, prácticas y géneros
Entronca con el punto 1 (el Ecosistema) y 5 (el Diálogo). Cada espacio vinculado a una PE desarrolla una gestión (mediada ‒si es necesario‒ a través de una co-gestión de acompañamiento) que tiene la singularidad de ser abierta, interactiva (debe estar dispuesto a aprender nuevos códigos comunicativos y desarrollar aperturas hacia ámbitos en los que aún no hubiese trabajado) y conectiva (se compromete a estar en red, conectado a otros espacios donde se realizan gestiones semejantes).
7/ Se da una gestión horizontal
La idea de horizontalidad aquí implica la puesta en curso de recursos propios del espacio a (1) los acompañantes del proceso de co-gestión de la PE en cada nuevo espacio y a (2) las personas ‒no vinculadas al espacio‒ que van a participar en alguno de los eventos que ese ha desarrollado en su programación. La idea de horizontalidad entraña el hecho del compartir. El espacio hace compartibles sus recursos los pone en funcionamiento disposición de la comunidad.
8/ Genera una interfaz emotiva en el espacio habitable. La frase anterior era: “Acompañamiento del proceso de quien genera el discurso por todos los canales”.
La PE es emocionalmente interfáctica: hace aproximarse a los creadores y los asistentes a las prácticas creativas, pero también a los gestores y a los creadores, o a los gestores y los asistentes. La PE genera una interfaz emotiva. La PE hilvana un trayecto emocional que implica una co-participación aproximadora, corazonadora, y por lo tanto vinculada con el conocimiento, el aprendizaje, la sensibilidad.
9/ Cohesión argumentativa en el discurso
En general la idea de claridad y coherencia va ligada a la idea de cohesión de la producción y de la práctica (punto 2), y del diálogo (punto 5). Todo espacio que participa de la PE tiene una singularidad, una identidad particular, que hace que tenga un poder específico, y por lo tanto una visibilización de su propio modo de operar claramente distinguible. Ese es el fin mismo de toda práctica colectiva desarrollada en un espacio a través de una PE: llegar a devenir una singularidad creadora, que permite pensar y crear de un modo nuevo, colectivo y personal. Abriéndose, además, a la posibilidad creadora de un universo experiencial. Cada espacio casi se podría decir que inventa una experiencia.
The Dance Film Showcase, now in its fifth year at TFF, strives to present the highest quality of visually engaging, sensory stimulating, movement driven short film work.
We consider films under 15 min that engage at least one of these topics:
1.) Dance for Camera
2.) Experimental film involving dance
3.) Narratives about dance
4.) Documentaries about dance
5.) Films about movement
DEADLINE: May 1st, FREE of charge
TO APPLY please email a private link of your film to: shimsham@topangafilmfestival.com
OR
Send a DVD and a cover letter with your contact info to:
Dance Film Showcase, ATTN: Cari Ann Shim Sham*
274 No. Topanga Canyon Blvd. Topanga, CA 90290
Truly,
Cari Ann*
On 17th April Arno Schuitemaker premiered his modul-dance project "I is an Other" at Chassé Theatre in Breda. Here, some of the good reviews he got:
The climax [of the performance] is smart and touching. (...) Then you see how there can be a dialogue, a shared universe, between two different worlds. Exactly what a metaphor does - Mirjam van der Linden, De Volkskrant (4/5 stars)
The choreography of Schuitemaker is transparant and unimposing, almost poetry, (...) with subtle lines, flowing movements and inventive reflections between the 'I' and the 'other' - Kester Freriks, Theaterkrant.nl (4/5 stars)
Utmost concentration and extreme control over the entire body. And the audience becomes thoughtful and enchanted. - Joris van Laak, Brabants Dagblad
I is an Other is a breath of fresh air. Schuitemaker chooses for depth and content. - Pauline Weijs, Cultuurbewust.nl (4/5 stars)
!GROT! performance
Multimedia dance performance.
Interactive system - WiiRemotes and Max/MSP software.
Irena Lipińska - concept, choreography, action
Paweł Janicki - multimedia
Magdalena Zamorska - concept, dramaturgy
Wojciech Maniewski - lights
Dominik Wojtas - sound
We Draw A - music
Paweł Pych - graphics
Jakub Kozik - teaser
Patryk Kizny - video
Teaser: https://vimeo.com/87819621 ;
Dear friends, filmmakers and dancers,
the time has come, our OPEN CALL is out and submissions for POOL 14 are possible until july, the 4th! Send us your dance short film for POOL's 8th edition. Find all further information and the application form on http://pool-festival.de/
Screening: September 11 - 14, 2014 at DOCK 11 Berlin
Profil
POOL is a recurring format for dance films and offers space for a mutual exchange of experiences, development, training and presentations prospects.
It is a platform for films, which picture dance not as a simple documentation, but more as a creative piece of art, using cuts and several other techniques for creation.
We are also interested in films which include every kind of non-dance movement in choreography.
Moreover the budget of the films or the background of its creator are less important for us.
Competition / PEARLS
The POOL 14 jury will create a film program and select the winner films, the PEARLS 14.
PEARLS are the equal winners of POOL – INTERNATIONALE TanzFilmPlattform BERLIN.
Participation
All dancers, choreographers, filmmakers, artists and all interested people are invited to apply with dance short films.
Films should not be longer than 30 minutes and also not only a documentation of a dance piece.
Participation documents:
Applications can be sumitted online.
- Preview link for the jury screening (can be insert into the online application form)
- Filled and signed online application form as scan to info@pool-festival.de
- 3 digital film stills, minimum 300 dpi
- Optional: biography, video testimonies and useful information
You can send all information to info@pool-festival.de
El encuentro MOV-S en Bilbao se celebrará entre el 26 y el 31 de mayo de 2014 en AlhóndigaBilbao.
A partir de diferentes propuestas de actividades, los contenidos del seminario MOV-S en Bilbao siguen abordando la idea de la ARTICULACIÓN. En este seminario pretenden lo siguiente:
- Ofrecer herramientas de pensamiento y operatividad para poder desarrollar Programaciones Expandidas en los espacios de programación, públicos y privados.
Entendemos por Programaciones Expandidas aquellas que se despliegan en todas las prácticas artísticas en relación con los espacios en las que se realizan, las comunidades en las que se vinculan y los dispositivos que se activan.
- Desarrollar una propuesta específica con el fin de generar un espacio de confianza para la visibilidad internacional de los artistas para que, así, puedan operar de modo expandido en otros territorios.
- Proponer un espacio para estar juntos pensando en temas comunes, una cuestión que surgió de los esquemas de trabajo de MOV-S 2012 en Cádiz.
- Conocer el contexto del País Vasco hoy en relación a las Artes Vivas, descubrir dónde están situados ahora los artistas, qué están haciendo, cuáles son sus proyectos y qué les preocupa.
Actividades programadas
Para acercarnos a las metas anteriormente citadas, proponemos las actividades que podéis consultar en la sección Programación.
1. Talleres de formación
Taller: Composición en Tiempo Real para mediadores
26, 27, 28 y 29 de mayo, de 10 a 14 h
AlhóndigaBilbao
Inscripción: gratuita
Dirigido a: programadores, mediadores culturales, curadores, artistas, educadores y cualquier otra persona con interés en mediar entre artistas y ciudadanos
Plazas limitadas (25 personas)
La Técnica de Composición en Tiempo Real (CTR) creada por el artista portugués João Fiadeiro nace en el contexto de la danza contemporánea la cual, atravesando las fronteras de las artes performativas, ha devenido un método de investigación sobre modos de encuentro.
Se utiliza siempre en relación con el otro. Aún siendo aplicada en el contexto del arte, es decir, estético, su uso es ético. Ayuda a tomar decisiones asertivas, adecuadas al entorno. Tiene como utopía la vivencia colectiva, el estar juntos, sea tanto en un contexto artístico como social.
La CTR abre un espacio laboratorial dónde es posible ensayar otros modos de hacer, capaces de pensar y actuar sobre el presente (cultural, social, político) a partir de una perspectiva estética.
Situándose en los intersticios dónde arte y política se tocan, la CTR es también una herramienta de trabajo para lidiar con lo desconocido sin guión predefinido. En ese sentido puede ser entendida como una técnica de (sobre)vivencia frente a lo que está por venir. Su práctica se estructura a partir de un marco espacial, temporal y funcional, y es soportado por principios orientadores móviles que se encuentran en permanente (re)formulación.
Taller: Curadoría: la mediación entre varios. Con Catarina Saraiva
27 y 28 de mayo, de 10 a 13 y de 15 a 18 h
AlhóndigaBilbao
Inscripción: gratuita
Dirigido a: programadores, directores artísticos, curadores y otras personas interesadas en la programación artística
Plazas limitadas (25 personas)
Hablar de curadoría significa hablar de contextos, artistas, financiaciones, espectadores. Todo esto es parte de un trabajo complejo pero necesario en las artes escénicas. En un mercado con muchas solicitudes y exigencias, el curador asume el rol de mediador, teniendo puentes entre todos los participantes y componentes del mismo.
Catarina Saraiva es productora, curadora e investigadora de artes escénicas, post-graduada en gestión cultural y Master en estudios escénicos. Formó parte de la dirección de Alkantara de Lisboa asumiendo, entre 2007 y 2009 la dirección artística del espacio. Entre 2010 y 2012 participó y desarrolló proyectos de curadoría e investigación en Madrid en colaboración con La Casa Encendida y Matadero Madrid. Colaboró, fundó y desarrolló varias redes nacionales e internacionales en artes escénicas y estudios en el ámbito de las políticas culturales en Portugal y en Europa. En septiembre de 2011 inicia su colaboración con el festival Panorama, del que es directora artista desde 2012.
2. Dispositivos de acercamiento a los artistas locales
Itinerarios personales
29 de mayo, de 11 a 14 h
AlhóndigaBilbao
Actividad exclusiva para artistas locales e invitados nacionales e internacionales
No es posible inscribirse
Bis a bis entre un artista local y los invitados. Un paseo por la ciudad de Bilbao a través de la mirada de un artista local para charlar sobre su visión del contexto para las Artes Vivas en el País Vasco hoy.
Entrevistas a artistas
29, 30 y 31 de mayo, tras la programación del Encuentro de Nuevas Formas Escénicas 3, 2, 1 AlhóndigaBilbao
Entrada libre
Un espacio radiofónico para conocer las singularidades de algunos artistas del País Vasco.
3. Prototipos
30 y 31 de mayo, de 9:30 a 13:30 h
AlhóndigaBilbao
Inscripción: gratuita
Dirigido a profesionales de las Artes Vivas con experiencia en el terreno concreto de cada prototipo y con interés en trabajar juntos en un caso de estudio
Plazas limitadas (25 personas). En caso de superarse las inscripciones, la organización hará una selección en función al perfil profesional y la adecuación al objetivo de cada prototipo
Los prototipos se desarrollarán a partir de 3 mesas de trabajo pilotadas por profesionales que propondrán un caso de estudio y una metodología para que, entre todos, podamos imaginar y poner sobre el papel una experiencia en relación al tema que formulamos.
El último día habrá un espacio de encuentro entre todas las personas que han trabajado en ellos y se presentarán los documentos generados durante los dos días. Los diferentes encargados del pilotaje se encargarán de terminar estos documentos tras el encuentro y se difundirán a través de la web y las redes sociales de MOV-S.
Prototipo Plataforma
Mesa de trabajo para generar un prototipo de proyecto que tenga como objetivo crear un espacio de confianza para la visibilidad internacional de los artistas. Pilotado por Natalia Álvarez Simó (gestora cultural).
Prototipo Prácticas Críticas
Mesa de trabajo para generar un prototipo de proyecto sobre cómo incorporar, de forma normalizada, las prácticas artísticas críticas en los espacios de programación. Pilotado por Idoia Zabaleta (artista y mediadora).
Prototipo Interinstitucionalidad
Mesa de trabajo para generar un prototipo de proyecto para establecer una relación interinstitucional a medio plazo entre un artista y/o mediadora y una estructura pública. Pilotado por Ania González (comisaria, crítica cultural y mediadora).
4. Presentación de proyectos
29 y 30 de mayo, de 15:30 a 17:30
AlhóndigaBilbao
Entrada libre
Aforo máximo: 100 personas
En el marco de MOV-S se presentarán una serie de proyectos que, de algún modo, ya operan bajo las prácticas que hemos estado abordando en las diferentes actividades en Galicia y las programadas en el encuentro de Bilbao (talleres, prototipos, paseos...). Desarrollan Programaciones Expandidas a través de relaciones de interinstitucionalidad que tienen lugar de forma articulada.
Los proyectos confirmados hasta la fecha son:
- Ser traducción. Por Blanca Calvo e Ion Mundate
- Proyecto Bulegoa. Por Beatriz Cavia, Miren Jaio y Leire Bergara
- Contrato Interinstitucionalidad. Por Ania González
- Proyecto Alhóndiga. Por Fernando Pérez
Inscripciones abiertas hasta el 11 de mayo. Descarga el avance de programación en pdf.
Los asistentes al seminario MOV-S que se celebró en Galicia entre el 11 y el 13 de marzo participaron, de forma colectiva, en la elaboración de este documento sobre El Papel de los Museos y los Centros de Arte en relación a las Artes Vivas.
Éste, junto con el documento sobre Programación Expandida, están actualmente en proceso de redacción. El que os presentamos es un documento susceptible de cambios que iremos anunciando.
Ambos serán presentados ante diferentes instituciones públicas y privadas del Estado para intentar que pongan en práctica, a medio plazo, los modos de operar propuestos en los mismos. Esperamos que puedan servir como herramientas de trabajo para artistas y mediadores en el futuro.
Una mirada interconectada entre artes vivas, centros de arte y museos
A la hora de afrontar la relación entre artes vivas y espacios museísticos, la creación de un programa, el comisariado de un ciclo, la oferta de formación, la adquisición o el archivo de performance, danza contemporánea y/o propuestas escénicas, son varios los estratos o niveles de acción y decisión que han de estar directamente implicados y los perfiles y redes de trabajo que puedan suponer, hoy, recursos accesibles.
Este documento, resultado de un proceso de trabajo y redacción colectivas iniciado en el marco de MOV-S, aúna la experiencia de profesionales, mediadores, creadores e investigadores con el objetivo de identificar las bases y condiciones necesarias para una correcta conexión entre artes vivas y centros de programación artística. Dicha conexión se encuentra estructurada aquí en tres grados o estratos:
Un primer estrato de conexión compuesto por las artes vivas actuales en general y el proyecto-programa de la institución cultural. Esta relación, basada en el hecho de que las primeras, en tanto manifestación de la creación artística contemporánea, son objeto del segundo y afectan, y han de dejarse afectar, por todos y cada uno de los elementos implicados en el funcionamiento de un centro artístico o espacio museístico. Esto se traduce en que la investigación, el conocimiento y las especificidades técnicas y teóricas de las artes vivas han de estar presentes en:
- los criterios y metodologías empleados para la creación y fidelización de públicos
- la definición de líneas curatoriales
- el diseño de planes de formación y actividades didácticas del centro o museo
- la creación de protocolos administrativos
- el plan de difusión y comunicación del centro o institución
- los planes económicos destinados a la producción y a la investigación
- los programas de reflexión y pensamiento
- las políticas de archivo y documentación
- el plan de adquisiciones
Un segundo grado de conexión es el que tiene lugar entre las acciones específicas de cada centro o museo, ya sean programas o ciclos, y las líneas curatoriales de su programa anual. Éstas deben responder al trabajo de comisariado de un perfil profesional específico, tal y como sucede en el caso de la toma de decisiones sobre el programa expositivo del centro o museo. De no ser posible la intervención de un profesional para establecer una interrelación adecuada con el objeto de la programación, resultará necesario acudir a la contratación o firma de un acuerdo de colaboración con un mediador o mediadora especializada o al asesoramiento y colaboración con una red de trabajo de centros de ámbito nacional ya establecida.
El programa de mediación entre artes vivas y centros de arte y museos que este proceso de trabajo ha constituido, ofrece la posibilidad de contar con el asesoramiento especializado de un colectivo de nueva formación de expertos voluntarios. Éstos prestarán sus servicios como contrapartida a la adhesión al presente programa, que se realizará mediante la firma de un acuerdo de colaboración en los términos especificados aquí. al cumplimiento de ciertas condiciones de transparencia, voluntad de continuidad y buenas prácticas en la contratación de programas, profesionales y creadores de artes vivas y a la participación activa en un posterior proceso de evaluación de resultados.
El tercer grado de conexión en la relación entre artes vivas y espacios de exhibición o producción artística es el que se da entre el artista y el centro de arte o museo. En este estrato fundamental es necesario que se explicite al artista, en el momento de la contratación o de la propuesta del acuerdo de colaboración, el contexto de programación en el que se inserta su producción. De este modo la conexión imprescindible entre la obra o producción artística y la producción de conocimiento defendida por el trabajo curatorial del centro o museo dotará de una mayor coherencia y eficiencia al espacio, al presupuesto y a las condiciones técnicas empleadas para su producción, exhibición y difusión. Esta contextualización en el interior del programa global del centro o museo, ha de surgir del diálogo profesional con el artista de manera que éste pueda establecer, en colaboración con aquél, un protocolo de uso, contextualización y producción de la obra la autoría de la cual se corresponda con él como último responsable de la pieza.
En cuanto a la necesidad de generar estas condiciones de producción y exhibición se refiere, el artista es corresponsable, junto al centro o museo, del destino de la pieza. También ha de conocer el contexto discursivo, temporal y espacial en el que se va a enmarcar. Esto incluye saber qué relación contextual se va a establecer con el público y con la comunidad, tanto profesional y especializada como ciudadana, para la construcción de un ámbito de trabajo y responsabilidad final cómodo y adecuado para ambas partes. En este proceso resulta fundamental el papel proactivo del artista a la hora de aportar las claves necesarias para una adecuada contextualización de su obra entre el público del centro o museo.
De todo lo anterior se deduce que los procesos de producción y exhibición de la obra de artes vivas, y de cualquier otra disciplina artística, en el interior de centros de arte y museos han de estar conectados mediante una mirada recíproca capaz de interpretar e imaginar. Es decir, capaz de construir un marco adecuado para su exhibición, entendiendo ésta como un proceso, no sólo de visibilización, sino también de formación, investigación, experimentación, educación, adecuación material, discursiva y económica, documentación, archivo, adquisición, difusión y conservación, en el que artistas y centros de exhibición deben ir de la mano.
Los asistentes al seminario MOV-S que se celebró en Galicia entre el 11 y el 13 de marzo participaron, de forma colectiva, en la elaboración de este documento sobre Programación Expandida.
Éste, junto con el documento sobre El Papel de los Museos y los Centros de Arte en relación a las Artes Vivas, están actualmente en proceso de redacción. El que os presentamos es un texto susceptible de cambios que iremos anunciando.
Ambos serán presentados ante diferentes instituciones públicas y privadas del Estado para intentar que pongan en práctica, a medio plazo, los modos de operar propuestos en los mismos. Esperamos que puedan servir como herramientas de trabajo para artistas y mediadores en el futuro.
Programación Expandida
El concepto de PE (Programación Expandida) es sumamente sugerente; amplía considerablemente la dimensión pensable de “lo articulativo” con relación a las prácticas artísticas. Entender “lo articulativo” como pragmática es interesante, pero tal vez reduce el sentido de todo lo que “lo articulativo” puede llegar a implicar. “Lo articulativo” también redefine el sentido de la teoría, muchas veces descuidada en el proceso de producción artística, o sobrevalorada de manera excesiva: lo teórico es parte indisoluble de la práctica artística, más en un tiempo de expansividad subjetiva, como es el actual. Es, por eso, interesante pensar en lo que se ha llamado PE como una co-implicación entre lo teórico y lo pragmático en un nivel en el que los creadores (o los gestores) no meramente reproducen un discurso repetido clónicamente en los medios, en una red de espacios más o menos afines, etc. sino que la PE despliega e innova lo discursivo; hay que comprender que “lo discursivo” no se refiere solo a la dimensión verbal humana, sino a la dimensión lingüística humana en general. Lo lingüístico es también, como resulta obvio, la danza cuando esta se desarrolla, cuando está en movimiento. Por lo tanto, desarrollar un lenguaje propio (un discurso singular, motivo en cierto modo de la PE) significa también abrir nuevos campos posibles para la práctica, extendida ésta hacia dimensiones aún no pensadas de lo que puede llegar a ser lo artístico. En este sentido las artes vivas son un canal adecuado para realizar tal expansividad del sentido clásico de arte, museo (o espacio artístico) y sujeto creador (o espectador).
Apunto ‒sobre las ideas generadas en el MARCO, provenientes del trabajo conjunto en San Simón‒ notas a cada una de las expresiones, e incluyo algunas notas más, a fin de que realicéis el trabajo de síntesis necesario. No es mi propósito definir nada de modo cerrado, sino simplemente ayudar a crear un sentido cooperativo para eso que se podría entender como una práctica colectiva (la PE, por ejemplo, como símbolo de ello) que más allá del qué de su contenido, muestra un horizonte común de trabajo. El horizonte común de un sujeto colectivo que busca ampliar el sentido ordinario de lo que es arte, de lo que es pensamiento, de lo que es también sociedad y vida en común. En última instancia se puede leer la idea de que el arte y la vida conviven en un espacio de metamorfosis donde la creación se conforma como un medio de crítica, conocimiento y experiencia.
Entonces, se dice que
La PROGRAMACIÓN EXPANDIDA (PE)
1/ Opera como un Ecosistema.
Hay una continuidad entre todos los elementos que forman parte de la PE. Si una entidad o museo acepta participar de ese proyecto de articulación propiciado por la PE se compromete a una serie de cosas, entre ellas estar abierto a una expansión de su conectividad, lo que implica darse-en-red, establecer sus recursos dentro de una red posible de creadores y agentes que co-gestionarán esos recursos. La idea de la PE puede ser vista en el flujo interminable de la naturaleza: el ecosistema artístico (teórico, social) es un émulo del ecosistema natural en el que estamos todos unidos. Si la naturaleza funciona en redes interconectivas, ¿por qué los espacios de arte no van a funcionar así?
2/ Contiene la producción y la práctica artística.
Todo espacio que se una a la PE deberá abrirse a una lógica constructiva en la que desaparece la vieja idea neoclásica del espacio museístico absoluto, como lugar de registro y ordenamiento de datos, objetos, rarezas o información. La vieja idea del espacio museístico como espacio de “muestra” se transforma en la de espacio productor y receptor de articulaciones artísticas de todo tipo, dentro de un contexto nuevo. Ese nuevo contexto implica una generación unitaria de lo productivo y lo generativo. El espacio que se acoge a una PE se compromete a romper el monólogo que se suma a lo en boga, de manera que se arriesga a innovar (producir) articulaciones creativas (prácticas) aún no pensadas. Comprometerse con la PE es disponer en la gestión del espacio una serie de recursos (físicos, materiales, económicos, cognitivos) para que éste hecho sea realizado. El espacio museístico como lugar de variétés se transforma en laboratorio generador de prácticas e hibridaciones en lo productivo (vid. nuevas formas de producir). El espacio que articula una PE se compromete sensu stricto a que eso se realice.
3/ Adviene una contractuación que implica un acompañamiento. He modificado la frase original: “Creación de un contrato que implique un acompañamiento (que desarrolla una interactividad)”.
Todo espacio que comience a articular un tipo de PE realiza un contrato (virtual, pero también físico, legislativo) por el que comienza a abrirse a un proceso de co-gestión con otros espacios vinculados a la PE, en una red de espacios que legislan prácticas expansivas en su programación. Por ejemplo, pensemos en un espacio nuevo (E) que empieza a querer realizar un tipo de articulatividad expansiva; inicialmente se vincularía a un grupo de gente (habría que ver qué gente, de qué tipo: ¿mediadores? ¿sujetos intermedios entre los espacios vinculados a una PE?) que acompañaría en el proceso de transformación de las prácticas ortodoxas que E generaba, para hacerse partícipe de las formas y prácticas de los espacios vinculados entre sí a través de la PE. En este sentido se puede pensar que cada E nuevo dispone de una serie de recursos para que un Consejo formado por un número X de personas vinculadas a otros espacios con trayectoria en la PE ayudan a co-gestionar el nuevo E que comienza a vincularse a ese tipo de nuevas prácticas. Este proceso de acompañamiento y co-gestión se puede extender en el tiempo todo lo que sea necesario. Cada E necesitará un asesoramiento, acompañamiento y co-gestión más o menos intensa. Pongamos un ejemplo: el espacio Ágora (de Coruña) quiere vincularse a ese tipo de articulatividad. Se inicia un proceso de acompañamiento y co-gestión en el que ‒pongamos por caso‒ 1 gestor de Alhóndiga, 1 gestor de Graner y 1 gestor de Medialab-Prado realizan una serie de entrevistas, consejos personalizados, co-gestiones, etc. encaminadas a un desarrollo de la PE dentro del espacio (recién incorporado) de Ágora. Podrían involucrarse ese tipo de figuras (¿mediadores? ¿sujetos intermedios? ¿delicados Hermes?) que producen la comunicación intersubjetiva entre cada nuevo E y el cúmulo de espacios ya adheridos, desde hace tiempo, a la PE.
4/ Proyecta espacios y eventos atravesados por la experiencia lúdica. La frase original era: “Permeable a la fiesta o lo lúdico”.
Es una idea muy clara. El espacio que se compromete a la PE realiza una disposición de su lugar como ámbito para el intercambio y para los encuentros no necesariamente profesionales, en el sentido que otorgamos al término hoy día; se abre, por tanto, a la creación de un espacio para el gozo y lo lúdico. Se tiene en cuenta, en todo evento proyectado dentro de la articulatividad de la PE, la cuestión de la diversión, el ocio, el aprendizaje humanístico, lo lúdico de aproximarse a la obra, a las prácticas, sin por ello perder el rigor y la profundidad. La PE genera la posibilidad de un homo ludens.
5/ Despliega un diálogo. La frase anterior era: “Un código de comunicación propio del ecosistema y al mismo tiempo abierto”.
Cada lugar (por la vinculación con la PE y los acompañantes procedentes de otros espacios artísticos) comienza a revertir la idea clásica de espacio cerrado sobre sí mismo, monologal, absoluto, para abrirse a la dinámica, el cambio, la metamorfosis y la investigación. Cada espacio, de este modo, va ‒con el tiempo‒ perfilando un discurso (un lenguaje) que lo caracterizará y que es puesto en diálogo con los otros espacios y con los sujetos que habitan el espacio, sean creadores o personas que asisten a eventos que allí se realicen. Se podría sintetizar como: Cada espacio aprende, progresivamente, en el proceso de acompañamiento, a conversar de un modo propio, gracias al factor guía que dispone la PE. La PE hace, por lo tanto, conversacional el proceso de proyección articulativa del espacio.
6/ Está abierto a nuevas interactividades y en conectividad con otros espacios, prácticas y géneros. La frase anterior era: “Gestión conectiva, abierta e interactiva”.
Entronca con el punto 1 (el Ecosistema) y 5 (el Diálogo). Cada espacio vinculado a una PE desarrolla una gestión (mediada ‒si es necesario‒ a través de una co-gestión de acompañamiento) que tiene la singularidad de ser abierta (no habrá oscurantismo en el proceso gestor, ni juegos de gestión privativa: la subjetuación jerárquica debe estar al margen), interactiva (debe estar dispuesto a aprender nuevos códigos comunicativos y desarrollar aperturas hacia ámbitos en los que aún no hubiese trabajado) y conectiva (se compromete a estar en red, conectado a otros espacios donde se realizan gestiones semejantes).
7/ Transparencia contractual / administrativa. Queda incluido en el punto 7, referido a la gestión horizontal.
7/ Se da una gestión horizontal. La frase anterior era: “Sistema de gestión horizontal”.
Está conectado con 6 (conectividad, interactividad). La idea de horizontalidad aquí implica la puesta en marcha de recursos propios del espacio a (1) los acompañantes del proceso de co-gestión de la PE en cada nuevo espacio y a (2) las personas ‒no vinculadas al espacio‒ que van a participar en alguno de los eventos que ese ha desarrollado en su programación. La idea de horizontalidad entraña el hecho del compartir. El espacio hace compartibles sus recursos, no se da una gestión vertical de los mismos, sino que se ponen en funcionamiento, no quedan parados, guardados. Esto es interesante vista la inmensa cantidad de recursos posibles con los que cuentan muchos espacios y que están totalmente desaprovechados.
8/ Genera una interfaz emotiva en el espacio habitable. La frase anterior era: “Acompañamiento del proceso de quien genera el discurso por todos los canales”.
La PE es emocionalmente interfáctica: hace aproximarse a los creadores y los asistentes a las prácticas creativas, pero también a los gestores y a los creadores, o a los gestores y los asistentes. La PE genera una interfaz emotiva. Es habitual, en la mayor parte de los espacios vinculados a prácticas artísticas, encontrarse una separación, una distancia entre dos niveles totalmente dicotomizados (el espectador y el creador, el espacio y el gestor, etc.). La PE hilvana un trayecto emocional que implica una co-participación aproximadora, corazonadora, y por lo tanto vinculada con el conocimiento, el aprendizaje, la sensibilidad. La PE no se dirige a la mente, se dirige ‒en primera instancia‒ a lo sensorial, lo emocional, al corazón. Sobre este punto hay que pensar muchas posibles prácticas colectivas en espacios artísticos. Las artes vivas tienen mucho que decir en esto, dada su proximidad a “lo táctil”, “lo corpóreo”.
9/ Cohesión argumentativa en el discurso. La frase anterior era: “Claridad y coherencia del discurso de la programación expandida”.
En general la idea de claridad y coherencia va ligada a la idea de cohesión de la producción y de la práctica (punto 2), y del diálogo (punto 5). Todo espacio que participa de la PE tiene una singularidad, una identidad particular, que hace que tenga un poder específico, y por lo tanto una visibilización de su propio modo de operar claramente distinguible. Ese es el fin mismo de toda práctica colectiva desarrollada en un espacio a través de una PE: llegar a devenir una singularidad creadora, que permite pensar y crear de un modo nuevo, colectivo y personal abriéndose, además, a la posibilidad creadora de un universo experiencial. Cada espacio casi se podría decir que inventa una experiencia.
* * *
Dos ideas sintéticas sobre la PE.
I. La PE articula un espacio co-gestor de prácticas artísticas no verticales.
La PE se podría sintetizar, en un nivel, como una herramienta articuladora de espacios (psicológicos, virtuales, físicos) donde se ejecuta una gestión de prácticas artísticas no verticales, entendiendo lo vertical como un tipo de relación entre (los sujetos, los creadores, las instituciones) que dispone una separación entre la producción y la práctica, el creador y el espectador, el gestor y el artista, el espacio en sí y las cosas que suceden en ese espacio. La PE reconecta los polos fragmentados, las prácticas enfrentadas, las polaridades que no encuentran resolución o síntesis.
II. Las artes vivas como motor de cambio del paradigma de espacio artístico.
Por otro lado, se podría incidir en las artes vivas dentro de la PE, en el sentido en que se habló varias veces: las artes vivas dibujan una nueva relación entre los elementos clásicos que constituyen la idea de museo o espacio artístico (espectador‒obra; productor‒artista, etc.), de manera que dadas las grandes mutaciones que se están dando en nuestro tiempo, las artes vivas pueden operar como conductoras de la mutación en curso, de esta mutación epocal, en la que el sentido clásico de muchas instituciones está siendo transformado. El sentido vago, impreciso del que se envuelven muchos espacios contemporáneos (de arte y/o prácticas artísticas) se puede transformar, guiando el proceso las artes vivas, en algo más fluido, dinámico, generativo de aspectos de vida (teoría, pensamiento, conocimiento, otra percepción estética, etc.) no incluidos en el contrato clásico de lo museístico.
* * *
Ideas sueltas vinculadas a la PE.
1. Legitimar / legislar prácticas artísticas no ortodoxas.
2. Se da (desde la PE) Formación, Pedagogía, Conocimiento, Corazonamiento.
3. Se trabaja el Discurso.
4. Se está abierto a una Transformación social, de manera que hay una apertura hacia un sujeto nuevo (no pasivo sino pro-activo, co-generador de la interpretación: la PE da herramientas para la interpretación).
5. El arte se convierte el mecanismo transformador de la subjetividad. La PE es un instrumento de socialización, también un elemento de re-vertebración social.
6. Regeneración del contrato institucional, obligación de acompañar un proceso de gestión co-operativo.
7. Dejar siempre abierto un espacio de gestión vinculado a la articulatividad de las artes vivas.
Tundra
In a nameless land, where there’s more darkness than daylight…he sat in the long white hut, at the table, tapping /his mother sat at the back of his mouth and the black sun was born/ the black sun was born…
Tundra is a wild and dangerous place inhabited by a cast of outsiders, where tension and absurdity simmer and the unseen world stirs. Reality and fantasy blur as the characters meet their darker selves and strive to escape to an imagined future filled with hope and possibility.
Summoning beauty and transformation, Tundra explores the antagonistic relations between darkness and light and the poetry of heaven and hell erupting in and around all of us, via folklore and surrealist cinema. Emma Martin Dance presents a bold and ambitious show which will open the 10th Dublin Dance Festival, featuring an exciting blend of theatre, live music and dance.
Zoi Dimitriou, greek choreographer based in London will be working on her new piece this April. She will be working on The Chapter House, a new interdisciplinary dance piece with intricate choreography by Zoi Dimitriou and video design by Mark Coniglio.
This new work looks at the act of documentation and of performing. It aims to expose the processes and mechanics of making, and uses digital media to document, re-construct and re-enact a live performance.
In The Chapter House, Zoi Dimitriou looks back at the body of her own work and questions how meaning gets revealed and transformed in an attempt to subject the ‘personal’ to another’s viewpoint.
Zoi Dimitriou' Bio
Choreographer and dancer Zoi Dimitriou was born in Athens. She graduated from
the Greek State School of Dance, received the Onassis Foundation Scholarship to
study at Trisha Brown in New York and in 2005 completed with distinction her MA
in European Dance Theatre Practice at Trinity Laban in London. As a dancer she
has collaborated with artists such as Yvonne Rainer, Kirsty Simpson, Felix Ruckert,
Shiobhan Davies among others. Based both in London and Athens she launched
her choreographic career in 2006. Works of her company have been featured in
internationally renowned venues and festivals and have brought the choreographer
major UK choreography awards like the Robin Howard Foundation Award
2008, the Bonnie Bird Choreography Fund Award 2009 and the CfC Award 2010
(Choreography for Children). In Greece she has been commissioned to make works
for the Onassis Cultural Centre, the National Ballet Company of Greece, the Athens
Festival and in the UK for the Laban Theatre, The Place, Sadlers Well’s, Company of
Angels, Shift Company and Focus Company.
Zoi Dimitriou has participated in the European Network Aerowaves and in numerous
other European projects for research and exchange. She teaches at Trinity Laban in
London, Impulstanz Festival in Vienna, Marameo in Berlin, Duncan Research Centre
for Dance in Athens among others. Her work is supported by Arts Council England
and the Hellenic National Centre of Theatre & Dance.
+++
The Chapter House is commissioned by Trinity Laban and supported using public funding by Arts Council England with further in kind support from dancedigital, Duncan Research Center for Dance (GR) and dance-tech Berlin/ Lake Studios.
Hi everyone,
just to share our joy that we have just premiered a first version of our new work I-CARE-US, a performance for the AR.Drone 2 and a dancer. After two years of hard programming work (we have created a custom-built Performance App for computers in LabView, resolved live video stream issues, interfaced with the drone flight data via OSC etc.) and winning the VIDA 15.0 production incentive award, we would like your feedback!
Here is more information and the trailer of the performance:
http://projectoicareus.wordpress.com/
Best Stephan
"A nameless land, where there’s more darkness than daylight …"
("Tundra" by Emma Martin Dance - Dublin Dance Festival, May 2014)
Photo by Luca Truffarelli/ © Emma Martin Dance 2014
Using Augmented Reality, Artistic Research, and Mobile Phones to Explore Practice-based Learning
Posted on 14 March, 2014
Living Archives affiliate Daniel Spikol presented a paper at Ideas in Mobile Learning 2014, an event that brought together practitioners, industry players, and researchers to exchange visions of how to use mobile technology to change the way we teach and learn.
The paper Using Augmented Reality, Artistic Research, and Mobile Phones to Explore Practice-based Learning is co-authored by Daniel Spikol, Camilla Ryd, Jacek Smolicki, Susan Kozel, and Jeanette Ginslov. In short, the paper argues that the design of practice-based learning activities can benefit from integrating artistic research, both in the development of these activities and when carrying them out. Spikol’s presentation is embedded below (or here on YouTube). The slides are available here.
http://livingarchives.mah.se/2014/03/paper-presented-at-ideas-in-mobile-learning/
Durante tres días, más de 40 profesionales vinculados a las arts vivas y el pensamiento crítico se han reunido en San Simón para pensar juntos sobre otras articulaciones posibles.
Esta es la lista definitiva de participantes con los links de sus proyectos, personales o colectivos, artísticos o institucionales:
Kirenia Martínez / www.ciaentremans.com
Begoña Cuquejo / www.traspediante.com/begona-cuquejo
Javier Martín / www.javiermartín.com
David Loira / nadiecreaunblogparanada.blogspot.com.es/p/david-loira.html
Mercé de Rande / www.cirkunstanzias.com
Félix Fernández / www.felixfernandez.org
Caterina Varela / www.lamacana.es
Pablo Fidalgo / www.pablofidalgo.com
Uxía P. Vaello / Artista
Geni Iglesias / Artista
Man Hauser / www.alg-a.org
María Pereira / www.cidadedacultura.org
Roberto Abuín / www.axouxerestream.com
Claudia Delso / www.casatomada.org
Ania González / lysisundkritik.wordpress.com
Chema Mesías / www.istoenormal.org
Jacobo Sutil / www.agadic.info
Cristina Balboa / www.funboaescenica.com / funboaescenica.blogspot.com.es
Iago Martínez / www.revistaluzes.com / www.galizaanocero.tv / cuacfm.org
Xesús Ron / redenasa.tv/es / www.grupochevere.eu
Begoña Llamosas / www.coruna.es/cultura
Natalia Balseiro / www.mov-s.org / www.entransito.net
Ánxela Blanco / www.tea-tron.com/olivianecesita/blog
Xoán Mosquera / Arquitecto
Iñaki Martínez / www.marcovigo.com
Carol Fernández / Artista
Montse Dopico / montsedopico.com
Encarna Lago / www.museolugo.org
Alejandro García Ruffoni / www.playdramaturgia.com / www.teatropradillo.com
Natalia Álvarez / www.museoreinasofia.es
Aimar Pérez Galí / www.aimarperezgali.com
Guillermo Weickert / guillermoweickert.com / www.asociacionpad.com
Beatriz Fernández / www.lapoderosa.es
Carlos Ordás / www.musac.es
Fernando Pérez / www.alhondigabilbao.com
Cristina Alonso / granerbcn.cat
Olatz de Andrés / addedantza.org / www.muelle3.wordpress.com
Natividad Buil / www.danzatrayectos.com
Olga Gutiérrez / encuentroeince.blogspot.com.ar
Roi Fernández / www.espazoextramuros.org
Alejandra Aguirre / atalaya9izquierdo.com
Roberto Taboada / festivalt.wordpress.com
El listado de personas que colaboraron en el proceso de curadoría previo a la organización del seminario se puede consultar aquí.
“He got his strength up flush and in full glitter…”
(“Tundra” by Emma Martin Dance – Dublin Dance Festival, May 2014)
Photo by Luca Truffarelli/ © Emma Martin Dance 2014