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El 30 de mayo en el marco de MOV-S Bilbao, Ania González presentó el proyecto Contrato Interinstitucionalidad / Kit para la construcción de una relación contractual. 

El vídeo está disponible en el siguiente link: http://ow.ly/yJHOX Contrato Interinstitucionalidad es un proyecto de creación de un "kit documental" jurídicamente operativo para la formalización de contratos o acuerdos de colaboración en el ámbito de las Artes Vivas que tengan como pares a creadores, medidadores e instituciones culturales, públicas o privadas. A raíz del proceso de trabajo colectivo iniciado en MOV-S, plantea la creación de un documento abierto y transformable capaz de introducir y mantener los criterios definidos por la comunidad de creadores y profesionales acorde con las necesidades técnicas y teóricas de cada una de las disciplinas que integran las Artes Vivas.

Ania González es crítica cultural y co-directora de la revista online especializada en arte contemporáneo Plétora. Colabora en el proyecto de investigación Canales alternativos de creación experimental. Eje noroeste 1975-2012 de la Universidad de Santiago de Compostela.

lysisundkritik.wordpress.com / pletora.es

DEADLINE EXTENDED || Submissions for POOL 14 – INTERNATIONALE TanzFilmPlattform BERLIN are still possible until 14th July!

http://pool-festival.de/anmeldung.html

El 30 de mayo en el marco de MOV-S Bilbao, Blanca Calvo presentó el proyecto Cuando el cuerpo desaparece.

Podéis ver el vídeo en el siguiente link: http://ow.ly/yJKMr

<strong>Cuando el cuerpo desaparece </strong>es un proyecto que ha explorado la desarticulación en <em>performance</em> entre cuerpo y voz a través de emisiones de radio y la publicación de Cuadernos. Ya en su inicio, la voz apareció como el vehículo para realizar el recorrido. En la traslación de la percepción de la performance a otro medio, radio y publicaciones, se intuía que se iban a encontrar preguntas. Se escogió la radio porque permitía, desde el micrófono, acceder a la idea de estar en el aire, en la articulación entre el exterior y el interior del desarrollo del proyecto. Esto tenía que ver más con un cambio de orden de las cosas, con romper unos dispositivos para liberar los movimientos de su propia materialidad.

Blanca Calvo es directora artística, coreógrafa e intérprete. Su actividad está ligada a dos ciudades, Madrid y San Sebastián, entre las que ha transitado y en las que ha articulado diversos proyectos de carácter generativo y procesual.

<a href="http://www.mugatxoan.org" target="_blank">www.mugatxoan.org</a>;

El 31 de mayo en el marco de MOV-S Bilbao, Beatriz Cavia y Leire Vergara presentaron el proyecto Bulegoa Z/B.

Bulegoa Z/B es un espacio para la producción, la discusión, el debate y la reflexión, el intercambio de ideas, el desarrollo de la investigación y la materialización de proyectos artísticos ubicada en el barrio bilbaíno de Solokoetxe. Esta iniciativa de colaboración, que organiza diversos tipos de actividades y pretende constituirse en un lugar de cruce entre la práctica y la teoría, surge alrededor de las siguiente líneas de investigación: los procesos de historización, la traducción cultural, la performatividad, el cuerpo, el postcolonialismo, la teoría social, las estrategias de archivo y la educación.

Sus componentes son Beatriz Cavia, Isabel de Naverán, Miren Jaio y Leire Vergara. Proceden del comisariado, la crítica de arte,la coreografía y las Ciencias Sociales, campos en los que paralelamente desarrollan distintos proyectos.

www.bulegoa.org

THÆTA is the third performance of StratoFyzika’s Shadows Trilogy. With new collaborations in sound and interactivity (sensors building, coding), the concept still steeped in the subconscious realms and dealing with the ego: the dark and light shadow aspects of self (as in the first two parts of the trilogy) but also on the edge of the conscious, waking self; visions on the edge of sleep, whispy light shadows, multi-dimensional geometric objects, sudden sound as if from the halls of a mind in a dream state. 
This liminal zone is a state referred to as Hypnogogia. 

THÆTA embodies this borderland state. 

All merge onto the stage, interactively; body dynamics, auditory sensations and visuals function as the culmination of parts into one constellation in live performance.

Interactive Stratum

The aim of introducing interactivity in our work is to engage a live performative environment where the movement is able to affect the sound and the image as well as with those elements. To accomplish this task in a meaningful way, something beyond a 1 to 1 connection between sensors and effects parameters should be achieved. Data is not information until it is analyzed and transformed. In this direction, different pattern and gesture recognition algorithms are applied to the values coming from the sensors in order to extract the key steps out of the choreography. This technique allows the performer to establish a set of movements to create a new language within the scope of a particular performance.


Sensing Stratum

Body-mounted sensors: three-axial accelerometers and a gyroscope, are being used as the primary sensing mechanism for quantification of temporal variations in motion and gesture. THÆTA uses a specifically designed prototype of wearable electronic devices whose main module is based on Arduino Fio, and an x-bee module for wireless communication.


Sound Stratum

The soundtrack for THÆTA is composed of abstract atmospheres and drones which at a certain point morph into rhythmic patterns and lead the piece to its most intense conclusion. The sound synthesis process is connected to the sensors' signals and the overall quantity of movement is mapped to the occurrence of sound, which shapes refinements with movement data’s details. The sonification of images and movements aims to hypnotize the audience with various tricks, from noise cacophonies to otoacustic emissions - a physiological reaction to a couple of pure tones that makes the ear hair cells resonate and produce a tone.

The main sound sources have been selected from the archives of a free experimental sound internet library, curated and maintained by Thalamus Lab. The project launched an open call called Experimental Sound Lab and many artists from different countries contributed to create a collaborative library.


Visuals Stratum

The stage is designed by the visuals around and together with the performer, investigating the liminal zone through the use of live sketch techniques as well as morphing shapes modeling, audio-driven geometric patterns and pre-shot shadows characters appearences. The projections narrative takes the shape of a path, sinking into the black subconscious world, giving birth to a night creature, shaping its visions and then re-emerging to face the sharp cold touch of the light beam.

Over the whole performance experience, specific interactivity is being used to let gestures drive specific visual impressions. The interactive part of the visuals shows a complex system, where the interaction of a large number of individuals creates a new entity with a different behavior than just the addition of the single ones. This emergent behavior is modeled following the classic flocking rules written by Craig Reynolds in 1986 (separation, alignment and cohesion). To those we added a few more like a bounding area, a noise field or a perlin random walker.


Movement Stratum

The dancer’s torgue, bend, twisting and qualities of movement is the consequence of the mind directing the body’s reactions on/into the audiovisual environment. In THÆTA, the movement is focused on the embodiment of a character which is in contact with light and dark shadows, traveling through the hypnogogic state via an (imagined) Theta wave state. The choreography on it’s own is a movement map written through common brainstorm and then broken down into sections either with specific set choreography and/or an improvised score sometimes employing the Atavistic Technique.




credits:

Hen Lovely Bird : creative direction, movement writer / 

Alessandra Leone / creative direction, visual content / www.alessandraleone.com

Davic Nod / sound project / http://www.davicnod.com

Thomas Van Ta / creative code / www.thomasvanta.es

Giovanni-Marco Zaccaria / wearable sensors design & development

Jeanette Bruneau Rossow / costume design / http://www.treches.com/



Thanx to:

B-Seite festival crew
Dario-Jacopo Laganà // photography
Oriol Pastor //creative coding
L'estruch MediaLab - Sabadell

Audio contributors: Felix Blume,Jovica Storer, Dave Pape, Tessa Elief, Dizzy Banjo, Suonho, PJCohen, Virotic, Gabriela Parra, Freed, SubFeld, Sandyrb, Richard Frohlich, Batchku, Patchen, Than van Nispen, Melack, Marco Madia, PoisedToGlitch, Spt3125, Nirtana, Lost Chocolate Lab, J. Simon van der Walt, Koops, Milo, ERH, AlienXXX, Daniel Blinkhorn, Pluja de Metall, Katarrhaktes, Jef Aerts, JQR, David Flood, Kyle Evans, M. Wissar, Toko Okuda // http://www.thalamuslab.com/experimental-sound-lab



Special thanx go to the people who have been contributing to our crowd funding, supporting the production costs for the piece.


with love,
Tina Zimmerman
Wolfram Lakaszus,
Lisa and Jerry Hicks
Garth Webb
Alexandros Drymonitis
Alison Colman
Carly Pick
Margery Fairchild
Daria Kaufman
Gautam Agarwal
Savannah Lees-Haley
Michael Jenkins
Susanne Kirchmayr
Donna Larson
John and Jo Larson
Cio Dorbandt
Han Van Acoleyen
Mumu Mariane Charline Hernandez
Brianne Crabtree
Audrey Panven
Ian Smith-Heisters
Claudia Frickemeier
Tommaso Leone
Judy Kaufman
Helga Jäckel
Mary Franck

and our Private donators, of course.

Costa Contemporánea 2014: V Contemporary Dance & Performing Arts Festival

September 3 – 7 2014, Cabo de Gata, Almería, Andalusia, Spain

Workshops: from 3 to 7

• Contemporary Dance Workshop “Points of view” with Daniel Abreu (Cía. Daniel Abreu)
• Dance Composition/Choreography Workshop “Leche del sueño” (Milk before Bed) with Michelle Man and James Hewison ( Edge Hill University) 

Masterclass: Saturday, Sept 6 

• Contemporary Dance: “Technical training in contemporary dance” with Chevi Muraday
• Flamenco: “From dance to flamenco” with Anabel Veloso
• Videodance: “Dancing for the camera” with Ana Cembrero 

Performances / Program:

Sept. 4:  Noche de Varieté – Varieté Night
venue Rodalquilar

• Sandra Antón: “The Big Solution Clown” (Las Hortichuelas/Barcelona)
• Alberto Cortés, Rebeca Carrera: “EXIT” (Málaga)
• Cromática Pistona: Swing Party (Madrid)

Sept. 5: Noche Espectacular – Spectacular Night
venue Centro de Artes Escénicas (CAE), Níjar

• Daniel Abreu: “Gigantes” (Madrid)
• Performance of the Winner at the Choreography Competition Mujer Contemporánea
• Javier Barandiarán: “No estoy para nadie” (País Vasco)

Sept. 6: Fiebre del Sábado – Saturday Fever
venue Centro de Artes Escénicas (CAE), Níjar

• Chevi Muraday y Alberto Velasco: “Cenizas” (Madrid)
• Anabel Veloso: “La generación del 80” (Almería)
• Michelle Man y James Hewison: “Imaginarium” (England)

Costa para Todos -  Costa for everyone (free entrance)

• Irene Cantero: “El vuelo” (Sept. 3, venue Camping Los Escullos) (Madrid)
• Ana Cembrero: “Europa Endless” (Sept. 3, venue Camping Los Escullos) (Valencia)
• Cromática Pistona: Swing Concert (Sept. 5, venue Plaza San José) (Madrid)
• Andrea Quintana: “Ángel cojo sin pierna” (Sept. 5, venue outdoors CAE) (Galicia)
• Smantik: Audiovisual Projections (Sept. 6, venue CAE)
• Open performance dance experimentations (Sept. 4, 5 & 7, outdoors: El Playazo, Isleta del Moro, etc.)

See promotional video: Costa Contemporánea - Encuentros de Danza Contemporánea y Artes Escénicas from low visuals on Vimeo.

See Youtube Canal: https://www.youtube.com/user/CostaContemporanea/videos

Meta-academy invites you to engage online with three international dance festivals this summer- Taking Place (July 1-13 in Columbus, OH, USA), Impulstanz (July 21 -August 18 in Vienna, Austria), and Bates Dance Festival (July 21-August 11 in Lewiston, ME, USA).  We will also be participating in IDOCDE international symposium on contemporary dance education (August 1-3 in Vienna Austria)

 

Dance festivals create intimate, hyperlocal communities where dancers exchange creative processes, pedagogies, finished work, and ideas. Now Meta-academy connects these communities to each other, and opens them to YOU at HOME or on the road.

choreographic knowledge, creative process, methodologies, ideas, influences, relevance, trends...stories

Starting with artists from Taking Place:  K.J. Holmes (NYC), Peter Kyle (NYC), CoCo Loupe (Baton Rouge),Bebe Miller (Columbus), and Claire Porter (NYC) 

Much more...

teach me (not)!
01 - 03 August 2014

IDOCDE (International Documentation of Contemporary Dance Education) organises the 2nd IDOCDE SYMPOSIUM on contemporary dance and its teaching methods at the ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival 2014.

teach me (not)!
There are many ways information is being relayed in contemporary dance education settings. Questions around the roles of the dance teacher, the learner and the material arise once opening the thoughts towards this process. 

Themed „teach me (not)!“, the 2nd IDOCDE Symposium thus aims to investigate horizontal - or non-hierarchical - learning, use of language and current practices in contemporary dance education and related fields and to look further into the question: How do we teach?

The symposium welcomes everyone interested in contemporary dance and related fields and invites to share teaching practices, questions & ideas around the current teaching of the art form.

More on IDOCDE Symposium 2014

It’s free and open.  All you need is an internet connection and a few hours per week. You determine your level of involvement.

Facilitated by Marlon Barrios Solano, Rachel Boggia and Josephine Dorado.

Here’s what we’ll do:

1. Share creative and critical perspectives. Select choreographers, improvisors, theorists, and pedagogues from the festivals  will upload videos of their process, engage in interviews, and participate in google+ hangouts with other artists and members of the Meta-academy community (the first 5 to join the hangout).

2. Move together online.  Join a google+ hangout and experiment with dance professionals as they try translating their creative practices to the online space.  

3. Create internet-specific work.  You’ll be instructed on using some of the best online (free)  creative tools to create your own internet-based videos, word clouds, mashups, and more.

4. Join a global community of dancers.  When you’re making, talking and learning together, chances are you’ll make friends.

Here’s how you join.

Create a user profile on www.dance-tech.net and join the meta-academy group

http://www.dance-tech.net/group/meta-academy

 

You’ll get an email with further instructions on how to join our google+ circle so that you can participate in hangouts. You will need to have a Google Plus account.

About meta-academy

About meta-academy@bates 2013 

Article about my work and meta-academy by Lisa Kraus on ThinkingDance.net

Lisa Para (NYC) and Daniel Pinheiro (Lisbon) in collaboration during meta-academy@Bates 2013

I am honored! Thank you Lisa Kraus for generous and smart article about my work with the dance-tech project and focused on meta-academy!! Please enjoy and share!

The vlogger has been blogged!!

http://thinkingdance.net/articles/2014/06/24/54/Marlon-Barrios-Solano-Drawn-to-the-Screen/

Todas las fotografías del seminario MOV-S que tuvo lugar en Guadalajara del 18 al 21 de de junio están disponibles aquí.

  
SYMPOSIUM
July 7-12, 2014 
THE LIVE LEGACY PROJECT:  CORRESPONDENCES BETWEEN GERMAN CONTEMPORARY DANCE AND JUDSON DANCE THEATER MOVEMENT
 
A PROJECT BY TANZFONDS ERBE

The Live Legacy Project seeks to share the practices and techniques sprouted by the 1960s American avant garde and that migrated to Germany, often through the Dutch institutions (e.g. School for New Dance Development and European Dance Development School). The project reveals these revolutionary influences in German Contemporary Dance training, and highlights the visibility of such corporeal values in choreographic work and practice. What exactly are these embodied philosophies, and what kinds of cultural shifts have been enabled by their transmission?
 
The Live Legacy Project celebrates this movement by bringing together choreographers, dance artists, scholars, and educators, to converge in a six-day symposium. They will share their movement practices and stories through intensive workshops, lectures and conversations, and performances.
 
Funded by Tanzfonds Erbe - an initiative by the The German Federal Cultural Foundation. 
 

Come to tanzhaus nrw in Düsseldorf and join us for this landmark event.

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Online registration from March 15, 2014. Options and Fees. 

A) Symposium with Workshops
Fee includes morning & afternoon workshops, lectures & conversations, corresponding events, performances, lunch and The Underscore with Nancy Stark Smith & Mike Vargas (music). 
without Lunch: 190 - 240Euro
including Lunch: 230 - 280Euro
 
B) For daily visits:
Lunch: 8Euro. Please note: Lunch reservations only possible until June 15th.

Live streaming lectures & conversations, corresponding events: 6Euro/Day

C) Evening Performances
Tickets for evening performances will be available through the website of tanzhaus nrw: http://tanzhaus-nrw.de/ 
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For more information: http://the-live-legacy-project.com/
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Symposium Guests are:
Ric Allsopp, Angus Balbernie, Agnès Benoit-Nader, David Brandstätter, Fabian Chyle, Trude Cone, Jess Curtis, Joao da Silva, Pauline de Groot, Ingo Diehl, Benno Enderlein, Malgven Gerbes, Yvonne Hardt, Dieter Heitkamp, Ines Heckmann, Peter Hulton, Bernd Ka, Irmela Kästner, Thomas Kampe, Eva Karczag, Gabriele Klein, Stephanie Maher, Nina Martin, Gisela Müller, Martin Nachbar, Lisa Nelson, Mary O'Donnell, Peter Pleyer, Ka Rustler, Isabelle Schad, Barbara Stahlberger, Nancy Stark Smith, Silke Z, Alexandra Waierstall and Gabriele Wittmann.

Hemos charlado con Blanca Ortiga sobre el curso del Prototipo Prácticas Artísticas Críticas.

En el tercer día de seminario, los participantes han trabajado para agrupar las urgencias del día previo en líneas estratégicas que os ofrecemos a continuación:

Creación de espacios de acción y reflexión comunitaria contemplando a los agentes artísticos, institucionales y contextuales.

Provocar exploraciones con varias instituciones (públicas, privadas y civiles) para optimizar la sostenibilidad de una práctica artística.

Sistema orgánico y adaptativo que se compone de los siguientes elementos:

- construir y sostener comunidad
- detectar formas y niveles de vinculación
- empoderar a todos los agentes
- fomentar las relaciones instituyentes
- generar y difundir información rigurosa
- fomentar el discurso teórico-práctico
- crear espacios de acción y reflexión colectiva
- generar estrategias de escucha de los contextos
- activar plataformas de libre desarrollo de la experiencia
- generar una red de circulación de pensamiento, prácticas y recursos microlocales
- posibilitar la organización de las comunidades para incidir en las políticas públicas
- generar flujos para la información en torno a las posibilidades para la gestión de proyectos de vinculación artística y comunitaria.

Existe un elemento del sistema que transita en todo el sistema: construir micropolíticas culturales locales.

Descarga el documento en pdf.

Compartimos con vosotros la entrevista que realizamos a Igor de Quadra, Olatz de Andrés y Matxalen de Pedro. Nos hablan de Muelle 3, dónde se realizó una comida informal con la participación de artistas locales e invitados a MOV-S en Bilbao, y de los paseos que realizaron con dichos invitados por la ciudad.

En la segunda jornada del seminario MOV-S en México, se analizaron colectivamente urgencias y recursos, individuales y colectivas, del contexto mexicano y se situaron sobre el mapa de la República.
Urgencias
Fomentar las relaciones instituyentes
Micropolíticas culturales locales
Construir y sostener comunidad
Nuevos formatos y circuitos de creación y difusión
Empoderamiento de todos los agentes
Construcción conjunta de políticas culturales
Trabajo en redes y nodos microlocales
Continuidad en las acciones locales
Información rigurosa
Fomentar el discurso teórico crítico
Desprecarización de las condiciones laborales
Favorecer el desarrollo de líneas curatoriales
Construcción de sujetos colectivos anónimos
Redes que multipliquen la distribución de saberes y obras
Involucrarnos en el desarrollo del imaginario político
Mapeo geográfico del miedo
Fondos para el desarrollo de la investigación en arte
Creación de espacios de acción y reflexión colectivos
Generar un circulación pensamiento y practica de recursos nacional
Generación de flujos de información en torno a posibilidades para la gestión de proyectos de vinculación artística y comunitaria
Involucrar a los públicos y a las comunidades como colaboradores en el proceso de creación
Diseñar estrategias de escucha de los contextos comunitarios
Detectar formas y niveles de vinculación
Mutar, transformar, replantear la relación con las instituciones
Dinamizar el pensamiento de los procesos culturales
Que las comunidades culturales se organicen para incidir en las políticas públicas
Activar plataformas de libre desarrollo de la experiencia
Revisar los modelos de formación educativa
Recursos
Investigación
Impulsar proyectos desde la institución
Conocimiento
Gestión
Promoción
Articulación
Creatividad
Formación artística
Herramientas de comunicación inmediata a distancia
Agentes de vinculación entre artistas, sociedad, instituciones y organizaciones
Extensión de redes de apoyo
Equipos humanos comprometidos y capaces
La creatividad para la desarrollar nuevas herramientas de resistencia
Aliados
Espacio de trabajo para el intercambio
Saberes y sabedores
Voluntad de puesta en común
Tecnología al servicio de los procesos de trabajo
Plataformas multidisciplinares

Descarga el documento en pdf.

Raquel Madrid, bailarina y coreógrafa, representante de la PAD y de FECED habla del trabajo realizado en el segundo día en el marco del Prototipo Plataforma.

Ideas colectivas que fueron surgiendo a lo largo de la primera jornada de trabajo en el marco del seminario MOV-S que tiene lugar del 18 al 21 de junio en la ciudad de Guadalajara y en el marco del Encuentro Nacional de Danza.

Nada me pertenece

Desapego

Procesos menos dolorosos

Estar abierto a lo que sucede sin estar sujeto a lo propuesto

Fluidez a partir de lo que propone el otro

Durante el proceso aparece y desaparece la narrativa

Te sitúas en el lugar diferente dependiendo de si acoges o eres acogido

Congruencia

Respetar las condiciones

Dar el tiempo

No hay expectativa

Juego del sí

La no regla

La escucha permanente

Vaciar para escuchar

La sencillez y la precisión empujan a crear

La capacidad simbólica de las cosas

Leer al otro y empujarlo a profundizar sobre las acciones

Eso como práctica inspiradora

El valor de la sustancia

Necesidad de profundizar

El acto de contemplar

Las relaciones se ponen en juego muy dependientes de las personas

La mirada del otro

Componer en conjunto a partir de personalidades completamente diferentes

La carga de sentido aparece cuando se generan el vínculo en la relación de intimidad

Placer

Posibilidad de que el otro haga

Mientras más te pones a disposición más entiendes el posicionamiento de la mirada del otro

¿Cómo hacer que el público genere su propia mirada?

Como curadora desapegarse de lo que uno genera y poner el acento en lo que le pasa, lo que produce el encuentro

¿Qué criterio establecemos de forma consciente por hacer cosas juntos?

Reaccionar a todo lo que pasa como hábito

Necesidad de situarse en otro sitio, con más tiempo para reflexionar y analizar el deseo

No le damos el tiempo a las cosas

Romper con el estado permanente de reacción

Dejarse temblar y no hacer nada.

La sencillez como algo que pone mucho más de lo que quita

Lo importante no es lo que hacemos sino lo que generamos en el esperar

Usar lo que tenemos y transformar su significado

Trabajar con lo que hay

¿Cómo uno aprende a ver aquello que no ve?

¿Cuáles pueden ser las herramientas para despertar el imaginario de uno mismo?

¿Cómo uno reacciona ante las imágenes más caóticas?

Romper los límites

El caos como orden

Actualizar

¿Desde dónde miramos para tomar decisiones?

La claridad como un esfuerzo

Demasiada claridad me deja fuera

Interés en accionar desde la claridad

¿Para qué los márgenes?

Estar ahí

Conocer otros tonos

No voy a ver los rostros sino me voy a centrar en lo que sucede

Cuando somos anfitriones nos sentimos mejor rompiendo los márgenes

¿Cómo accionar el trabajo colaborativo desde lo heterogéneo en un espacio contenido?

Descentrarme de mi espacio de poder

Cómo articular diferentes niveles de mirada

Cómo hacer dialogar lo heterogéneo

¿Qué tenemos en común?

Generar un contexto áspero

Visibilidad de lo áspero

La violencia de la cortesía

Hay muchas cosas que se pierden ante un camino cortés

Cuando uno expresa se dice todo

Hemos de aprender a leer todos los códigos

Trabajar los afectos reactivos

Hacerse responsable de lo que uno quiere decir a la otra persona

Generamos espacios con límites

Posibilitar

Desapegarse de los roles que tenemos adjudicados

Aprender a ver

La política como repartición de fuerzas

Los antagonismos como potencia

La importancia del cuerpo a la hora de poder intuir lo que puede pasar

Tus potencias determinan tu lugar dentro de los colectivos

Esto determina que uno pueda ejercer ese poder desde tu potencia

Bloquear el trabajo de los otros como acción en potencia para que otras cosas sucedan

Complejizar

Los espacios limitados amplían las potencias

Los márgenes y las reglas amplian las potencias, incitan al foco y ayudan a tener más claridad dentro de los
procesos que desarrollamos

El placer de jugar

Salir de los procesos dejando que continúen

El respeto hacia lo que los demás han hecho

Quitar como violentar el trabajo de los otros

Disposición para acordar

En el juego me encuentro con el otro

Buscar la manera de operar en los espacios saturados

Aprender a prescindir de cosas

Me gustan las situaciones entre pares

El contexto es parte del material

La territorialidad tiene una potencia

El contexto determina la relación

No podemos ser iguales porque tenemos condiciones muy diferentes

Negociar los roles, el poder

Abrir los códigos, ponerlos a la vista, liberarlos para negociarlos

Habitar los mismos espacios al mismo tiempo

Poner en valor

Poner contrapuntos complejizando

Cuidados

¿Cómo trasladamos la práctica de un lugar a otro?

El conocerse está en el hacer

Pruebas de hipótesis

Descarga el pdf aquí.

Martín Padrón, director del Centro Coreográfico de La Gomera, nos resume el trabajo del primer día en el marco del Prototipo Interinstitucionalidad.

El prototipo Prácticas Artísticas Críticas fue una mesa de trabajo para generar un prototipo de proyecto sobre cómo incorporar, de forma normalizada, las prácticas artísticas críticas en los espacios de programación. Idoia Zabaleta y Ricardo_AMASTE nos lo comentan.

Antonio Garde, subdirector de Música y Danza de INAEM, comenta su participación en el Prototipo Plataforma.