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Breve CV. Alejandra Ceriani.

12249547093?profile=originalGraduada en la Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata, Profesora en Artes Plásticas orientación Pintura y Cerámica; Licenciada con orientación Pintura y Cerámica; y Magíster en Estética y Teoría de las Artes.

Jefa de Trabajos Prácticos cátedra de Didáctica y Práctica de la Enseñanza, y en Dibujo I y II, FBA, UNLP. Coordinadora de Educación Artística, Dirección de Gestión Curricular y Formación Docente de la Nación.

Instigadora categorizada III y becada por la UNLP, para el estudio de las interrelaciones entre las disciplinas del cuerpo  y el espacio escénico.

Especialista en performance interactivas en tiempo real. Trabaja en instalaciones interactivas con captura óptica de movimiento, en dos obras:

Proyecto Hoseo de su autoria: Invitada a Cuerpo Digital, Festival Internacional de Videodanza, Cuerpo y Nuevas Tecnologías, Cochabamba, BOLIVIA, Octubre  2010. FIVU 09, Uruguay, Centro Cultural España en Montevideo, Fase 1 Expo-Trastiendas mayo 2009,  Curadora: Graciela Taquini. Proyecto en representación de la FBA, UNLP.; Museo de Arte Contemporáneo 2009(Salta): Diálogos Montevideo 2008 /; Interfase, Cuerpo Y Nuevas Tecnologías, Santiago, Chile, octubre 2007; Festival de Arte Contemporáneo AONI, Viedma, Río Negro, Argentina, Diciembre 2010; Seminario POETICAS TECNOLÓGICAS MAPAD2, Directora Ivanni Santana, Salvador de Bahía, Brasil. Noviembre del 2010 y 2011.


Proyecto Speak junto al artista sonoro y músico programador Fabian Kesler <>  y el creador del software MOLDEO <> programador de video e imagen Fabricio Costa. Invitados la Intervención “El insomnio de los monumentos”, instalación de Norberto Laino, Hall Central Carlos Morel del Teatro San Martín;  al Festival Internacional de Videodanza del Uruguay FIVU, Octubre 2011, Montevideo Uruguay,; NHT. Septiembre 2011, C C. Recoleta,; VIII Festival de Nuevas Tendencias LA MENAGE, Teatro Real, Agosto 2011, Córdoba; Ciclo La Plata Arde, plataforma para artistas locales, Teatro Argentino de La Plata, Sala TACEC, julio 2011, La Plata,


Trabajos de Video Danza con el Proyecto Webcamdanza: exploración desde las posibilidades técnico-expresivas con la cámara Web, en donde indaga sobre esta relación entre cuerpo y dispositivo a través de la creación de “piezas audiovisuales”. Participa de ponencias y publicaciones en diversos medios en Internet y en papel: ; “Terpsícore en ceros y unos. Ensayos de Videodanza”; editorial Guadalquivir Festival Internacional VideoDanzaBA; Compilación: Silvina Szperling; ISBN: 9789872213879  “Estudios sobre Danza en la Universidad”, Universidad de la República de Uruguay. Compilación: Lic. Diego Carrera. 2009. ISBN 978-9974-0-6-0605-8,

“Pensar La Videodanza”, I Simposio Internacional de Videodanza “Espacio del cuerpo y de la imagen en la video danza” PG: 76 a 93; Danzanet Argentina es la revista de Danza Contemporánea. Red Escena Virtual.


Dicto talleres: Taller de Vídeo Danza dentro del marco del FIVU09 ; “Taller /  Producción / Video Danza A Partir De Tecnología Low-Tech”  Biblioteca Nacional, Sala Cortazar. ; “Realización de una pieza de videodanza-Proyecto WEBCAMDANZA” en Cuerpo Digital, Festival Internacional de Videodanza, Cuerpo y Nuevas Tecnologías, Escuela de cine La Fabrica, Cochabamba, Bolivia, Octubre 2010.


Convocada por los directores Marcelo Delgado y Emilio García Wehbi para “El Matadero. Un Comentario”. Obra dramático-musical. CCR. Rojas, 2009; Ver publicación Libros del Rojas, UBA, ISBN 978-987-1075-90-4. Convocada por los directores de El Periférico de Objetos, D. Veronese y E.G. Wehbi, para la realización de la obra “El Suicidio Apócrifo I”, 2002-2004.

Invitada a trabajar bajo la dirección de Emilio García Whebi en un evento performático “El Matadero, Slaughter House” 2005/08. En línea, 2005/06/07/o8. Ciudad Konex, jueves 7 de febrero.


Ver material en línea:



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re:PLAY 2013 in Imphal, Manipur

12249541700?profile=originalThe screening of the two part film OLYMPIA directed by Leni Riefenstahl in 1936 made the women in re:PLAY 1913's audience to acknowledge the power of the female gaze. How often do we see evidence of that? Riefenstahl's exquisite framing of superb bodies in action, rhythmic editing, and the surreal dance film at the close of the diving sequence makes OLYMPIA a natural for a sports and dance film festival. Since Manipur had not largely been affected by the atrocities of WWII, the students openly studied the merits of this masterpiece without fear of condoning the motivations of its producer, Hitler. Sadly, this FESTIVAL OF BEAUTY, as the second part of the film is called, had no impact on the monster, nor has there been another film on an equivalent scale that celebrates the glories of athleticism and young graceful bodies united in a peaceful purpose.


New York based Somi Roy founded the film festival and workshop re:PLAY three years ago at the invitation of  the Governor of Imphal, Manipur. Known for its prowess in sports and dance, Manipur theoretically has an audience ready to embrace a sports and dance film festival, the only one in the world. When he first got the invitation, Somi asked me to curate the festival as we had gotten to know each other when Joanna Ney and I showed in Dance On Camera Festival, ISHANOU, a trance inducing feature written by Somi's mother that is still the only Manipur film to have been invited to Cannes.

For the first time, my schedule allowed me to attend the festival in 2013, lead the discussions and workshop on film appreciation and criticism12249542681?profile=original which opened every day with a dance class. Never having been to Asia or India, I was unsure what to expect of the audience, students, the country, facilities. A stop in Delhi had a dizzying affect so that flying into Imphal, Manipur which is surrounded by mountains was a relief and promised more green, less people, less smog, more calm. Indeed it offers more green, but as much stimulation! The festival screenings for the public were delayed to a date still to be set because a Naga guerilla assaulted a Manipuri film actress, whereas the screenings for the 100 workshop participants and the workshops continued as scheduled.

In my workshop, I was instructed by Somi to spur the growth of criticism in a culture where everyone is an artist and no one a critic. Besides exploring the various ways we could work to instigate a critical forum for the nurturing of Manipur films, we watched and discussed 5 videos made by the students: a martial arts feature, documentary short on a reformed terrorist, amusing commercial and short documentary, and a short travelogue on Andro, made on a lark.  I found this unambitious film by Nelson Elangbam so appealing, I won a trip with him to see this mountain village12249543093?profile=original that makes a vodka that I found tastier than Ketel One. And I am a Ketel One fan! 

The offerings this year beside OLYMPIA included LATCHO DROM, Tony Gatlif's tale of the gypsies in 9 countries, a program of Dutch filmmaker Clara van Gool's shorts, THE LAST TIGHTROPE DANCER OF ARMENIA, MAO'S LAST DANCER, and DANCE OF DARKNESS, chosen because Somi had indicated the people of Manipur are eager to learn more about the dance from their Asian neighbors.


DANCE OF DARKNESS, shown at right, is one such poetic documentary on the Japanese art Butoh by Edin Velez created in 1989, provoked, disturbed, and intrigued the students. One woman warned that the film should not be shown, without warning families that the images could be disturbing to children.

Quite apart from the Bollywood style, and the violence of Butoh is the traditional dance of Manipur, more of a Tibetan-Burmese culture than Indian. Among my students was a dancer on her way to earn a Phd who informed me that you have to move a figure eight around your heart when you dance the traditional Manipurean dance. "That way, your dance will be graceful." 

In addition to my workshop, Iben Trino-Molenkamp and Alexandra Viets led their own workshops so that all the students joined for the screenings and fruitful discussions. Somi who knows how to sustain an atmosphere of intense investigation and awareness is to be applauded for his leadership of this fascinating festival.

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Albany Grove is a site-specific dance film documentary project produced by Siwela Sonke Dance Theatre in collaboration with Durban University of Technology.

Albany Grove Film Project Screendance Workshop - 22 Nov to 10 Dec 2012

Conceptualised and Facilitated by Dominique Jossie and Jeannette Ginslov

Albany Grove is a busy street in Central Durban. Home to Siwela Sonke Dance Theatre, where you will find the playhouse theatre, a hotel, a hairdresser, a church, a pub, a dance studio, a restaurant and a gentleman’s massage parlor. This little street receives a daily flux of residences, workers and visitors from various cultures and classes in the city of Durban.

The aim of the project is to give the audience a glimpse of the lives of the people from Albany Grove through the medium of dance on film.
5 choreographers and 5 film directors will join forces to tell these stories in the form of 5 short dance films of 5 to 8 minutes each.

After a four day intensive workshop, the students formed teams and were tasked to interview residences found in Albany Grove. Each team created a short dance film inspired by the interview subject.

A project like Albany grove encourages young choreographers and filmmakers to develop and explore real life stories in their communities through dance on film. The collaboration between filmmaker and choreographer provides and exchange of skills amongst young artists in the creation of new cutting edge work. The idea is to create films with high production value whilst using basic production resources.

The project was sponsored by the National Arts Council with production support from the Durban University of Technology.


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Specialising in Dance on Film for Africa|making dance films that move you.

Based in Cape Town South Africa, Screendance Africa is a (Pty) Ltd company, dedicated to the development, production and distribution of local and international dance films in Africa. Screendance Africa develops and produces dance films in a service, co-production and/or production capacity. Screendance Africa endeavours to push the boundaries of dance on screen giving audiences visual and visceral experiences. Founded by Jeannette Ginslov & Dominique Jossie

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Thursday, January 24, 3:30 – 5:00 p.m., Room 165 Thompson Library 


Marlon Barrios Solano (creator and producer of, and more than 400 video interviews and webcasts) will share his experience on developing horizontal architectures for knowledge production, exchange and distribution afforded by the new internet and portable technologies. His projects explore social networking and internet video production and distribution, live video broadcasting, online curatorial strategies and tactics, collaborative creativity/learning and mobile augmented reality technologies. He investigates the internet as a participatory creative ecosystem and as a space for social innovation and collaborative action. He interfaces and recombines the crowd and the cloud within hybrid knowledge landscapes.

co-sponsored by the Digital Arts and Humanities Working Group, Humanities Institute and the OSU Libraries.  

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Roberto Oliván estrena "A place to bury strangers" (ver vídeo) en el Mercat de les Flors del 18 al 20 y del 25 al 27 de enero de 2013.

Por este motivo, compartimos con vosotros este artículo de Nerea Aguilar para Danza Ballet sobre el artista:


Roberto Oliván, la coherencia de un artista comprometido y multidisciplinar

De Roberto Oliván (Tortosa, 1972) podemos valorar su paso por PARTS (Anne Teresa de Keersmaeker, fundadora de la compañía Rosas, para la cual él también bailó), su contacto, también en su residencia en Bélgica durante doce años, conBob Wilson y Trisha Brown, su estudio de las artes circenses; es decir, podemos valorar su poderosa y potente trayectoria artística.
Pero lo que diferencia a los grandes artistas no es su currículum, sino el uso que hagan de él, de sus experiencias, de su entorno, del tiempo que va cambiando a su paso por la vida, de su filosofía sobre el arte, sobre la vida, sobre la sociedad, sobre el ser humano, y cómo esto realmente sepan fusionarlo, como camino obligatorio de entenderse a sí mismos y su arte, para darle forma en un espectáculo. 

Roberto Oliván es por tanto un artista contemporáneo, que se ha dejado seducir sin miedos por las disciplinas, que ha sabido fusionar lo popular y lo elevado de la técnica, porque su mente es dinámica y enérgica y no entiende el arte de otra forma que, por tanto, no sea de varios ámbitos; un arte nunca estático, siempre en movimiento porque el artista se alimenta de todo lo que le rodea. Y consigue que su coherencia traspase la escena y no sea simplemente un propósito de creación, en el que se decide llevar a cabo una fusión de elementos, gentes, temas porque es lo bueno o lo que se lleva, sino que consigue una coherencia consigo mismo a partir de entender el arte como algo orgánico en continuo movimiento, como es el ser humano en sí mismo, que “entra en una cadena de acción-reacción”.




De farra cartel

El arte como expresión de lo que está sucediendo, y lo que sucede a nuestro alrededor no es algo aislado, no podemos extrapolarlo de tantas otras cosas de las que se alimenta. Lo que está sucediendo hoy día se da en las calles, en los barrios, en los pueblos, en las plazas, en los mercados. Algo pasa también en nuestras cabezas, cuando nos hacemos las preguntas de siempre sobre nosotros mismos y nuestro camino a la felicidad, cuando buscamos disfrutar de la vida y aprovecharla al máximo, cuando nos preguntamos qué queremos. Porque como un animal, Roberto, está olisqueando a su alrededor, saboreando las cosas y generándose preguntas.

Roberto Oliván arriesga, crea espontáneo, evita el miedo y se sale del formato típico de la danza contemporánea y del público que se espera de ella y del espacio que le sirve de acicate para sus creaciones.

Su compañía Enclave es de nuevo otra muestra de su contemporaneidad. Es trabajar en grupo pero no olvidar al individuo, porque no podemos olvidarnos de nosotros mismos en estos tiempos, pero estamos en sociedad y rodeados satisfechos de individuos de muy distintas procedencias.

El kiosko de las almas perdidas 

Y se lo ha querido comer todo desde sus creaciones. Porque ve de absoluta naturalidad y orgánico un arte que junte todas estas cosas y las muestre bajo las formas del arte circense y la danza contemporánea. Los artistas de circo son fuertes, son enérgicos, son hábiles físicamente, y si consiguen salirse del bloqueo muscular pueden ser grandes bailarines. Y el circo no tiene por qué reñir con la danza. De la danza le interesan otras cosas, la técnica, pero sobre todo ese camino a lo personal, esa indagación en el yo del ser humano. Se le abre entonces un gran abanico de posibilidades que coge con la soltura de quien no le teme a la acción, sea física o interior.

La modernidad está también en lo cotidiano, y Roberto se alimenta de lo cotidiano para sus creaciones. Lo cotidiano como muestra de las gentes que le enseñan. De ellas aprende las filosofías que descubre en sí mismo, y sin darse cuenta repite métodos de creación que le llevan a esa cercanía con la gente, se sale de su sala, de la típica cerrazón de los “artistas”, encerrados en su ego, para abrir sus puertas a lo normal, lo popular y lo inmediato por ser cercano y vivo.

El hombre contemporáneo es aquel que también sabe de sus contradicciones y que aprende de ellas, como Roberto, de sus raíces de pueblo y su vida en las grandes ciudades. De todo se puede aprender y todo nos enriquece.

De todo este conglomerado salen piezas como De Farra. La fiesta en la calle es el origen, la música, la mezcla de personas, de influencias de diversos países, la mezcla de colores, sonidos y energías, como el mismísimo Kusturica.

Homeland supone el verdadero reflejo de la fusión bien hecha de gentes de circo, bailarines y músicos en directo. La cercanía entre los mundos se produce poco a poco, mientras los de circo se despojan de su rigidez y se van adentrando en el mundo de las emociones, los bailarines deben trazar su línea en sentido contrario, hacia lo acrobático. Así, Homeland no puede ser ni danza ni circo, puede serlo todo o puede no ser nada, porque no tiene por qué tener una etiqueta, porque al llegar a la coherente naturalidad no distingamos tan claramente los mundos, sino que los disfrutemos como lógica de acción-reacción bajo esa proximidad física e interior en la que indaga.

El kiosko de las almas perdidas nace de nuevo de un hecho cotidiano, del movimiento y la vida que se produce en una lonja de Vigo. Esta pieza es un encargo del Centro Coreográfico Gallego y por tanto el proceso es diferente, las dificultades son otras, pero a pesar de eso ahí está su cabeza, buscando en las preguntas eternas sobre las normas de la sociedad, la búsqueda de la felicidad, el lugar del individuo, etc.

Roberto quiere volver a su trabajo multidisciplinar; quiere retomar el circo para sus creaciones, porque lo echa de menos. No sabemos si lo que echa de menos es la diversión que aporta con energía el circo y lo gustoso de verlo dado de la mano de la belleza de la danza, o si, por el contrario, lo que echa de menos es tener la sensación de que abarcando más y sin miedo está llegando a sentirse más en su yo, porque está abierto al otro, y el otro es tanto y tan grande y el verdadero artista tan abierto y tan generoso que obligatoriamente se tiene que producir un placer vital en su creación.



El kiosko de las almas perdidas

Y es que no quiero que alguien que despliega y “malmezcla” medios y ámbitos artísticos me diga que es Artista, no quiero que alguien desde lo alto, arriba en las esferas, se proclame comprometido con su sociedad, su tiempo, la vida y toda la filosofía e intelectualidad que cree poseer; no quiero acudir a grandes teatros o pequeñas salas, me da igual, para ver lo mismo mientras que quien lo muestra se cree el más moderno. No quiero, por tanto, que creen para mí, para mis ojos, es decir, artificialmente para impresionarme. El espectáculo llega a mis pelos para ponerlos como escarpias si me lo das con sinceridad. No quiero las incoherencias creativas y personales de artistas con aires de grandeza; quiero la humildad, quiero el sentido lógico y sano y natural de quienes crean desde su yo humilde y abierto, que lo ofrecen a la gente más normal, con la generosidad de saberse igual, con la espontaneidad de la energía de querer vivir-crear sin los límites que ponga ni el ego ni la hipocresía.

Pero este tipo de artista está en extinción. Roberto Oliván es ese animal en extinción, al que hay que buscar en el Delta del Ebro y “en clave” de muchas cosas, y que gracias a él, como a otros, la naturaleza artística contemporánea muestra la cercanía a la realidad de lo que creíamos ideal.


Texto: Nerea Aguilar
Publicado en Danza Ballet

Añadimos aquí un par de fotos tomadas durante la improvisación de Roberto Oliván en la Noche de Danza, Costa Contemporánea 2012:
Fotografías de @Pollobarba




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MEDEA - December 2012. Prototyping Futures – a publication exploring research themes and challenges. What research themes and challenges are we exploring right now at Medea? How can research and collaboration across borders contribute to societal change and more sustainable futures? In the publication Prototyping Futures, we summarize what is going on at Medea. We have over the past few weeks talked to a bunch of people affiliated with Medea, asking them what gets them out of bed in the morning. We have assembled interviews, essays and photo collages into a fanzine-style magazine. Over the upcoming months, we will publish most of its contents on this website.

Jeannette Ginslov article on AffeXity: Capturing Affect with a handful of techne (p.85)


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The Fibreculture Journal   



MEDEA and the School of Arts and Communication, Malmö University, Sweden.

Issue 21: Exploring affective interactions. 

AffeXity: Performing Affect with Augmented Reality by Susan Kozel


Playing on both ‘affect city’ and ‘a-fixity’, AffeXity is an interdisciplinary, collaborative, social choreography project drawing together dance, geo-spatially tagged visual imagery, and people using mobile-networked devices. Located in Medea’s wider research and production profile, this is a particularly material and performative example of the “Internet of Things.”

Project description
Cities are made up of layers of choreographies, these are patterns of relations between people, technologies, and architectures. AffeXity will insert additional choreographic video layers viewed through Argon, a free open-source augmented reality browser. These layers of dance emphasise ebbs and flows of affect; they are created and sensed by bodies in motion.

Playing on both ‘affect city’ and ‘a-fixity’, AffeXity is an interdisciplinary, collaborative, social choreography project drawing together dance, geo-spatially tagged visual imagery, and people using mobile-networked devices. Located in Medea’s wider research and production profile, this is a particularly material and performative example of the “Internet of Things.”

Affexity is a collaboration between:

Susan Kozel (MEDEA, Malmö University, Sweden)
Jeannette Ginslov (Director of Screendance Africa & MoveStream, Denmark/South Africa)
- Timo Engelhardt (Master’s student in the Media Software Design programme, Malmö Högskola, Sweden)
Jay David Bolter (Mixed Environments Lab, Georgia Institute of Technology, USA)
Maria Engberg (Blekinge Institute of Technology, Sweden, and Georgia Tech USA)
- Wubkje Kuindersma (Dance Artist, Copenhagen)
- Additional screendance artists, choreographers, and dancers to be confirmed.


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The University of Utah’s Departments of Modern Dance and Film and Media Arts are requesting submissions of student dance films to be screened on the opening night of the 9th International Screendance Festival and Summer Intensive Editing Workshop with SIMON FILDES, June 23, 2013. Submissions must be a screendance piece, created specifically for film or video, or a staged work recreated for the camera. We are also accepting short dance-related documentaries. Please note that these submissions are not to be performance documentations. A small cash prize for the Jury’s Choice will be awarded.

  • Only Region 1 or All Region DVD formats, and working web links will be accepted. More important information about screening formats is available at
  • The work must have been completed while enrolled in a full-time degree program or workshop setting.
  • DVDs will not be returned unless requested. If requested, please include a self-addressed stamped envelope for the return.
  • There is no submission fee.
  • Length of the work must not exceed 15 minutes.
  • Please DO NOT send additional materials with your submission such as press or other presentation materials. An effort is made to preserve a blind jury.
  • Artists may submit up to three different projects for consideration.
  • Jury comments will be available upon request.
  • Copies of submitted films will be retained for the purpose of archiving the festival.


Postmark deadline for mailed submissions is by 5:00PM, March 1st. Online submissions must be received by midnight Mountain Standard Time, March 15.
All submissions must include a submission form for each submission. Individuals are allowed to submit a maximum of 3 films. Links to Submission Forms will soon be available at


For submission information please contact:

Tanja London,,


Send submissions or links to:

Ben Estabrook,

International Screendance Festival,
 University of Utah
Department of Modern Dance,

330 S 1500 East, Room 106
, Salt Lake City, UT 84112

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Don't miss Gustavia by Mathilde Monnier and La Ribot in NYC during the first day of the APAP vortex that will be taking place in New York City during the next two weeks!

In Gustavia, celebrated choreographers Mathilde Monnier and La Ribot use repetitive, energetic, and “slapstick” movement inspired by the classic burlesque tradition to address womanhood and the joys and sorrows surrounding their profession.

An explosive performance about the relationship between contemporary art and life.

Info here!


Also watch a the documentary La Ribot Distinguida by Luc Peter on!

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Costa Contemporánea met La Ignorancia to create a unique video dance project that took place at the Natural Park of Cabo de Gata, (Almería, Spain).

This video-dance project has been conceived as creative break for directors, dancers, performers, photographers, film technicians or anyone else interested in the art of filmmaking.


A new concept with the goal of creating cultural and educational experiences in a unique environment.

Costa Contemporánea broadened its horizons to international participants thanks to the collaboration and experience of the multidisciplinary collective La ignorancia dance film music, based in Brussels since 2008 and formed by the choreographer / filmmaker Ana Cembrero and the cinematographer /musician Jorge Piquer.


During the workshop participants approached the currently under expansion art genre video dance: reviewing the history of cinema and dance, learning the technical aspects of the camera, editing and post-production software, introducing themselves to the new independent filmmaking technologies as well as the low-cost HDSLR cameras.

They analyzed motion from a cinematographic point of view and the relationship between body and audiovisual language. Overall, participants explored their personal creativity through practical exercises and carried out their dance-film from the first steps, wrapping up with a general overview of the different coverage media and distribution.


A selection of the work created at the workshop was screened at International Dance Festival Mes de Danza de Sevilla (see pictures) and at EAMM Arts School Miguel Marmolejo (see pictures

See video: MAKING OF VIDEO DANCE WORKSHOP, Videodance Workshop 2013

See video: MERCURIO by Tristana Castilla, Videodance Workshop 2013


Videodance Workshop 2013 

Join us in the art of dance filmmaking in a charismatic environment.. Come and create movies, create dance in a natural environment through the interaction of these two artistic languages, developing a powerful visual expression.



Photo @Pollobarba
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