de la Universidad de Alcalá (UAH)

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Directores: Pilar Lacasa y José Antonio Sánchez

Coordinadores: Pedro Sarmiento y Victoria Pérez Royo

Ofertado por la Universidad de Alcalá, con la colaboración de profesores de la Universidad de Castilla-La Mancha y otras Universidades españolas y europeas, con el apoyo del Museo Nacional Reina Sofía, La Casa Encendida y Matadero Madrid.

Número de créditos: 60

Duración: 1 curso académico

Inicio: Octubre 2010

Tipo: Profesional / Investigación

Directores de los estudios: José A. Sánchez (UCLM) / Pilar Lacasa (UAH)

Coordinadores: Pedro Sarmiento / Victoria Pérez Royo

Universidad coordinadora: UAH

Lugares de impartición: Madrid, Alcalá de Henares y Sigüenza.

Más info: practicaescenicayculturavisual@gmail.com

Profesores: Juan Domínguez, Óskar Gómez Mata, Marten Spangberg, Los Torreznos, Cuqui Jerez, Amalia Fernández, Carlos Marquerie, Ingrid Wildi, Marlon Barrios Solano, Eugene van Erben, José A. Sánchez, Victoria Pérez Royo, Óscar Cornago, Christine Greiner, Zeynep Günsür, Bojana Kunst, Ana Vujanovic, Reinaldo Laddaga, Ric Allsopp, Alice Chauchat, Maral Kekejan, Marta Oliveres, Fernando Quesada, Isabel de Naverán, Amparo Écija, Isis Saz, Patricia Ruiz, Mercedes Pacheco, Eva López Crevillén, Pablo Palacio...

Este máster plantea un enfoque práctico investigador en el que se garantiza una estrecha colaboración entre teoría y praxis en el ámbito de las artes escénicas y las visuales. Por medio de la participación en formatos muy variados como laboratorios, talleres y seminarios, se trata de integrar la praxis creadora del estudiante con discursos teóricos relevantes, de manera que se alcance una cooperación productiva entre metodologías conceptuales, instrumentos críticos y prácticas investigadoras creadoras. Con ese fin dentro del máster asume un peso fundamental el trabajo autónomo del estudiante, el cual se desarrolla a lo largo de un continuo diálogo con supervisores, equipo docente, profesores asociados, artistas invitados y compañeros estudiantes; se trata de una inmersión en un proceso de diálogo interdisciplinar en el que el estudiante tiene la oportunidad de reflexionar en colaboración sobre su propio trabajo y sobre formas y metodologías de investigación.

En este máster las artes escénicas se complementan y enriquecen con un conjunto de prácticas artísticas plásticas y visuales. Para permitir la emergencia de esta interdisciplinariedad, la estructuración del programa de creación escénica en torno a dos líneas de trabajo en este máster es fundamental: medios audiovisuales y prácticas de relación. La formación se desarrolla de modo transversal, permitiendo un tratamiento interdisciplinar de las artes escénicas que permite al estudiante articular una visión integral y completa de su ámbito de investigación.

Por último, la invitación de gran cantidad de profesionales de distintas áreas dentro de las artes escénicas tales como creación, programación, crítica, investigación y academia le ofrece al estudiante un acceso a la realidad de las tendencias y desarrollos contemporáneos, así como al mundo profesional una vez acabados los estudios.

La propuesta de este máster se basa en la exitosa experiencia de su oferta como título propio por parte de la Universidad de Alcalá en colaboración con el Museo Reina Sofía. Se recibieron más de cien solicitudes de información y, a pesar del elevado coste de la matrícula y la brevedad de los plazos de información e inscripción, se cubrió el cupo establecido de matrícula: 20 alumnos procedentes de cinco países ( Austria, Chile, España, Italia y Portugal) y siete comunidades autónomas (Castilla-La Mancha, Cataluña, Extremadura, Galicia, Madrid, Murcia y Pais Vasco).

Compartimos la experiencia de la Universidad de Alcalá en la enseñanza no reglada de artes escénicas a través de sus Aulas de Teatro, Danza y Música y la apuesta del Museo Reina Sofía por la formación, la investigación y el debate en un espacio público de alta visibilidad nacional e internacional.

El máster se oferta en un momento en que las Escuelas de Arte Dramático y los Conservatorios Superiores de Danza han visto homologados sus títulos a los grados universitarios y se encuentran en condiciones de abordar enseñazas de postgrado y también optar a la investigación. En la génesis de este máster se ha tenido en cuenta la experiencia, las necesidades y las propuestas de diversos centros de enseñanza artística no universitaria, con el ánimo de generar un espacio común de formación-investigación. De hecho, este máster constituye la primera iniciativa de un futuro Instituto de las Artes, con sede en el nuevo campus de la UAH en Guadalajara, con apoyo de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha.

La propuesta de un máster basado en la práctica es pionera en el Estado Español y coherente con la homologación de los títulos en artes escénicas y música como grados y postgrados universitarios. Pero no es nueva en el ámbito internacional, ya que existen numerosos modelos en diferentes países. Por encargo del Institut del Teatre y la UAH, el grupo de investigación ARTEA realizó un Informe sobre programas de postgrado basados en la práctica, que incluye el análisis de estructuras y metodologías utilizadas en veinte universidades de Alemania, Bélgica, Holanda, Francia, Portugal, Reino Unido, Polonia, Canadá, Estados Unidos y Colombia. El informe incluye también documentación sobre centros de investigación no universitarios, una selección de textos teóricos y de análisis de procesos de investigación artísticos. Este documento constituye una de las bases que nos han servido para diseñar este curso, así como para el establecimiento futuro de acuerdos internacionales.

Otra base importante la constituye la experiencia investigadora del grupo ARTEA, con sede en la UCLM, pero con investigadores activos en diferentes universidades europeas (UCLM, EHU, IT, EUV) y americanas (U Buenos Aires, Católica de Sao Paolo, Federal de Bahia, Federal de Pará, Nacional de Colombia, Veracruzana, Autónoma Metropolitana de México, Católica de Lima). El grupo ARTEA ha realizado diversos proyectos de investigación con ayudas regionales, nacionales (MICINN, AECID y MCU) y europeas en el ámbito de las artes escénicas. Su principal aportación es visible en el Archivo Virtual de Artes Escénicas (www.artescenicas.org) y en numerosas publicaciones en libros y revistas especializadas. El grupo ARTEA participa actualmente en un proyecto europeo con otras veinte Universidades para la generación de una Biblioteca Virtual de Artes Escénicas (CIP-ICT-PSP-2009-3). El proyecto “Autonomía y Complejidad” (HAR2008-06014-C02-01/ARTE) plantea como objetivo principal el diálogo entre la investigación teórica y práctica en el ámbito de las artes escénicas: “Metodológicamente, este proyecto responde a la necesidad de llenar el espacio entre el ámbito teórico de la investigación y el campo de la práctica escénica. Con esto se responde a una demanda cada vez mayor de ambos lados para establecer un diálogo más estrecho entre creación e investigación, en un ámbito teórico y artístico caracterizados en los dos últimos decenios por su extrema movilidad entre disciplinas y géneros distintos.” Éste es uno de los principios sobre los que se construye el programa del máster, por lo que el trabajo de investigación del grupo y el trabajo de formación se complementarán y retroalimentarán.

Experiencia previa

Durante el curso 2009-10 se está ofertando un programa de postgrado, título propio, con la misma denominación que el actual. Ver Máster vigente 2009-2010

La experiencia de los tres meses de funcionamiento del máster ha sido enormemente positiva. Por una parte hemos comprobado el interés y la entrega de los estudiantes, que en su mayoría responden al perfil previsto en el proyecto: jóvenes artistas con una breve trayectoria profesional o profesionales con mayor trayectoria pero con necesidad de revisar críticamente su trabajo y diseñar nuevas metodologías y conceptos en el ámbito de la creación o la gestión.

La colaboración con el Museo Reina Sofía, La Casa Encendida, Medialab y Matadero está garantizando una rápida confrontación de los estudiantes con entornos profesionales de máxima visibilidad y también de máxima exigencia a nivel profesional. Pero para las instituciones también resulta de enorme interés contar con un espacio de investigación y reflexión como el que ofrece el máster, así como con la posibilidad de abrir espacios públicos en forma de ciclos de conferencias y laboratorios compartidos con artistas o profesionales externos.

El programa combina la aportación de profesores universitarios doctores, con amplia experiencia en investigación tanto en el ámbito de la teoría como de la práctica, y la de artistas y profesionales activos en España y en otros países. La singularidad y excelencia de las trayectorias académicas y artísticas de los profesores invitados ha constituido el principal atractivo de este título, pero también ha asegurado el éxito en el desarrollo de los cursos y de los contenidos.

El máster se ha concebido desde el inicio como un espacio abierto a la investigación artística y a la colaboración con otras instituciones, por lo que a las cooperaciones previstas inicialmente se han ido añadiendo nuevas propuestas de colaboración con el foro de Performance de ARCO, el festival Escena Contemporánea de la Comunidad de Madrid, el encuentro MOVS organizado por el Mercat de les Flors de Barcelona y el MNRS o el festival SISMO de Matadero.

Explicación del programa

El programa comenzará con un Seminario de Investigación que permitirá la autoevaluación de los participantes, la presentación de experiencias previas, así como la articulación de proyectos de formación y la formulación de ideas de trabajo. En él estarán presentes los coordinadores de los módulos y los artistas responsables de los laboratorios.

El programa se articula en tres módulos:

1. Metodologías de investigación-creación

2. Herramientas para la investigación-creación

3. Proyectos de creación

Los tres módulos se desarrollan en paralelo, teniendo el segundo una mayor carga en el primer semestre y los otros dos una carga distribuida entre el primer y el segundo semestre.

La optatividad en el interior de cada módulo permitirá el desarrollo de dos itinerarios :

A. Creación escénica y medios audiovisuales

B. Creación escénica y prácticas de relación.

En todos los cursos se priorizará una metodología de participación.

Esta metodología será fundamental en el desarrollo del primer modulo, donde los estudiantes realizarán un proceso constante de autoevaluación y se confrontarán a diversas propuestas metodológicas planteadas por académicos y artistas. A partir de las ideas y de los problemas localizados durante el primer seminario y las primeras sesiones de los respectivos laboratorios, los contenidos de las sucesivas sesiones y del segundo seminario se irán conformando en diálogo con los intereses y los problemas planteados y los surgidos de los proyectos individuales de creación.

En el segundo módulo se inscriben dos tipos de materias: teórico-históricas y prácticas. En las primeras se tenderá también a una metodología de participación y resolución de problemas, mediante seminarios, sesiones de visionado, análisis de material audiovisual y textos, debates, etc. Se tratará de ofrecer una visión extensa de la teoría y la historiografía de las artes escénicas, así como una introducción a los planteamientos actuales de la pedagogía, las artes para la comunidad, los estudios culturales, los estudios de cultura visual.

En las materias prácticas, se tratará de asegurar una base común para el desarrollo de proyectos de investigación creación con una doble fase: el trabajo escénico-corporal, y el trabajo audiovisual y en red. A estas materias específicas, se suman otras relacionadas con ámbitos de posible especialización.

El módulo 3 está concebido como espacio para el desarrollo de proyectos individuales o colectivos de creación – investigación.

Los participantes que deseen desarrollar procesos de creación podrán adscribirse a uno de los laboratorios ofertados. Estos laboratorios, coordinados por un artista (Juan Domínguez y Óskar Gómez Mata) se desarrollarán a lo largo de todo el curso, con tres momentos de actividad intensiva en cada trimestre. Ofrecerán un marco para el desarrollo de proyectos personales o para la articulación de trabajos en colaboración, que tendrán continuidad en la realización del proyecto final de máster. Los responsables de los laboratorios podrán invitar a otros artistas o especialistas en función de los proyectos diseñados por los participantes.

Colaboraciones e intercambios

Existen ya acuerdos de colaboración permanente con las siguientes instituciones:

1. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

2. Casa Encendida, Madrid

3. Matadero, Madrid

4. Circo Price, Madrid

Existen acuerdos de colaboración puntual con:

1. Medialab Prado (Madrid)

2. Festival Escena Contemporánea (Madrid)

3. British Council

4. Galería Off Limits (Madrid)

Sobre la base del Informe sobre Investigación y Postgrados en Artes Escénicas se está trabajando en la conformación de una red internacional.

Hello! There is still time to register for my somatic movement workshop and performance/magic overnight event at Earthdance July 12 -17th. It is part of a wonderful festival SEEDS.

"The theme of this year’s 10-day long SEEDS festival is NOURISHMENT: A crop’s environment—including soil, topography, and climate—imparts a characteristic taste and flavor and must be taken into consideration in cultivation. With care, through interaction we hope to create an ultra-lush, enriching, and regenerative culture in which to grow our art."

You can find all the information below. Hope to see you there! K.J.

The body is the soil of our thoughts and imaginations. This workshop will devise the use of somatic explorations through the lens of Body-Mind Centering ® and improvisational dance tunings to discover, enrich, and explore how we are landscapes for our ideas. The workshop will be supportive and challenging—to embody our experiential knowledge with the uncertainty of what has yet to appear, manifesting trust in the unknown. We will spend time inside and outside.

All creations pass through a time of being in the dark. It is the time of dreams, illusions, and magic. This evening into the morning event will be a guided physical meditation into the chimerical nature of dance. We will end the day and begin a new one together as we shift our relationship to time and composing space, creating and entering a theater of our own design.

K.J. Holmes is an independent dance artist, singer, and actor exploring improvisation as process and performance since 1981. Her influences include Contact Improvisation, BMC®, Yoga, Authentic Movement, Release techniques, Martial Dance, world vocal studies, and contemporary dance and theater. She teaches and performs throughout the world and has collaborated with Simone Forti, Image Lab, and Steve Paxton, among many others. K.J. is a 1999 graduate of the School for Body-Mind Centering® and has a private practice in Dynamic Alignment and Re-integration in Brooklyn, NY, where she lives. She is adjunct faculty at NYU/Experimental Theater Wing, and continues to teach through Movement Research. She finished a two-year acting training in the Sanford Meisner technique at the William Esper Studio in NYC in 2009, and is currently developing an evening length piece This is where we are (or take arms against a sea of troubles) , which looks at where linguistics and the body meet. REGISTER NOW for Weathering REGISTER NOW for PineCones For info: contact@earthdance.net

This workshop is a part of the SEEDS Festival. In addition to the workshop, you are also invited to attend evening performances, discussions, jams, and films as well as the Saturday Community Day as part of your participation.

SEEDS workshops:

Benoît Lachambre/Extending the Comfort Zone

K.J. Holmes/Weathering & PineCones (an overnight event)

Pedro Alejandro/Soft Body/Soft Terrain, Open Artist’s Project

Dave Jacke/Eden Arising: Ecological Design as a Spiritual Practice

Plus performances, an ECO jam, disucssions, films, artists-in-residence, green m-Art, and more.

The theme of this year’s 10-day long SEEDS festival is NOURISHMENT: A crop’s environment—including soil, topography, and climate—imparts a characteristic taste and flavor and must be taken into consideration in cultivation. With care, through interaction we hope to create an ultra-lush, enriching, and regenerative culture in which to grow our art.

Come for a performance or a film, a workshop, a jam, or the whole festival!

WWW.EARTHDANCE.NET/seeds

PHOTOS: Benoit Lachambre's FORGERIES, LOVE AND OTHER MATTERS photo by Chris Van der Burght; Pet Show (2005), choreography by Pedro Alejandro, photo courtesy of the artist; Dave Jacke teaching, photo courtesy of http://artmeetsearth.org; K.J. Holmes & Charlie Morrissey in The I/Eye of Contact, a photo series by K.J. Holmes; Diego Piñon, photo by Flo Poulain.

Massachusetts Dance Festival’s first annual statewide events, sponsored by the UMass Amherst Department of Musicand Dance, will be held August 21^st and 22^nd at Boston Ballet, 19 Clarendon Street,Boston, and August 28^th and 29^th, at UMass Amherst (Totman Building) and The Fine Arts Center, Amherst. 2010 events at both sites includeSaturday evening performances by eleven professional dance companies, andSunday late afternoon performances by eleven emerging dance companies,representing genres of ballet, jazz, modern, contemporary, multimedia, EastIndian, and hip hop/jazz. Each presentation reveals the sheer creative power ofdance – the breadth of training and talent across the Commonwealth – ofphysicality, technical excellence, emotional exuberance, and compellingartistry, that is certain to attract and engage audiences of all ages andbackgrounds.

Innovative choreographies of two weekends include: 1) “Marionette,” which questions the notion of “success,” reflectingthe “struggle to get ahead in business, financial, and personal lives…driven byrelentless social images,” choreographedby Katherine Hooper of BoSoma DanceCompany, where athleticism and the “constant energy of phrasing” propelsdancers ahead three steps, and back only two; 2) A dramatic selection by Contrapose Dance entitled “Sanitas,” which approaches society’s “recent obsession withcleanliness and staying free of sickness,” plummeting deeply into the humanpsyche … gripping audiences while challenging dancers through feats of athleticand artistic elocution; 3) Monkeyhousedancers’ newest creation, “"Times New Roman Italic""">Against the Odds11.0pt"">,” which “explores themes of endangerment and stagnancy,” and theenormous effort required to get “unstuck,” using a series of ‘found sound’recordings of rain and train station buskers; 4) A multi-media celebration ofthe Connecticut River by Sorvino DanceProject called “Downstream,” where fluid movements are adapted to the power,stillness, and interruptions of the river, against a backdrop of SamPettengill’s visual artwork, and a magnetic improvisational and polyrhythmicmusical landscape; 5) An energetic and uplifting piece, Mariah Steele’s “Simon &Garfunkel Suite,” which portrays a“desire to celebrate life and the human experience in all its grit and humor,dust and glory… a love of community, awe of our bodies’ vast capabilities … anda deep faith in humanity.”

Additional to dance performances are a total of 48 dance classes for adults and childrenin Boston, August 21^st and 22^nd, and in Amherst, August28^th and 29^th, between the hours of 11:00 am and 5:00 pmon Saturdays, and between 11:00 am and 3:00 pm on Sundays. Massachusettsmaster dancers, college and K-12 educators, and industry specialists covergenres of ballet, jazz, tap, modern, African, Cuban Salsa, hip hop, “inclusivedance for physically disabled dancers,” and a diverse range of innovativechildren’s dance classes. Specialty workshops on “dance photography,” “managing a successfulcultural business,” and “healthy dancers” will also run adjacent to movementclasses, offering a full spectrum of activities for all ages and levels ofaudience participants.

MDF’s Emcee for both Saturday nights is Massachusetts native and national jazz icon, RebeccaParris, who will open both performances and sing two of her favorite,popular jazz standards. She is an ardent supporter of music and danceperformance and education in Massachusetts, and a tireless promoter of theMassachusetts Dance Festival’s mission:

“…to revitalize dance and arts-related professions by developing partnerships withbusinesses, corporations, institutions and communities. MassachusettsDance Festival believes that dance, as a major component of arts and culture,is essential to meaningful lives and healthy communities. Dance and artseducation contribute to quality life in the 21^st Century byproviding rich education for youth and promoting cultural understanding andtolerance within diverse communities.”

yes"">

Tickets are $25.00 and can be purchased in advance or at the door. Discounts areavailable for Boston Dance Alliance Members, students, senior citizens, andgroups of 10 or more. Call: (508) 429-7577 for ticketsales information. You may alsopay for tickets in advance, through Pay Pal, at the Massachusetts DanceFestival web site http://massdancefestival.org.

For a full listing of performing artists and adult and student dance classes, go to: 11.0pt"">http://www.massdancefestival.org/performers.html and 11.0pt"">http://www.massdancefestival.org/schedule.html.

MDF is a registered 501(C) 3 non-profit, with its 2010 summer dance festivalsupported by: Body Grooves,Boston Dance Alliance, Dancing Arts Center, the Dance Inn, Hot Stepz Magazine, North Shore Dance Alliance, Red Fez Restaurant, and Teddy Shoes.yes""> Senator Sonia Chang Díaz,Chair of the Tourism, Arts, and Cultural Development Committee, endorses the Massachusetts Dance Festival.

MDF can help to establish Massachusetts asan important destination for arts, culture and tourism.

Why the fly?

Gambiarra

Word Cloud made with all the words of the CIANT website

SEE in wordle

http://www.wordle.net/show/wrdl/2192554/poolwords_creativity

http://www.wordle.net/show/wrdl/2192556/diads

CODA KEDJA Opening Event Oslo Norway from Creation Editor on Vimeo.

Can You See Me Now? Tokyo from Blast Theory on Vimeo.

Uncle Roy All Around You from Blast Theory on Vimeo.

EL DIBUIXANT 2005/ Documentary Marcel-lí Antúnez Roca

"La Ribot Distinguida" Documentary from Luc Peter *English Subtitles.

Why the fly?

Gambiarra

Word Cloud made with all the words of the CIANT website

SEE in wordle

http://www.wordle.net/show/wrdl/2192554/poolwords_creativity

http://www.wordle.net/show/wrdl/2192556/diads

Models of mind/body/life/environment

"Is there love in the Telematic Embrace"

Roy Ascott

"Telematic culture means, in short, that we do not think, see, or feel in isolation. Creativity is shared, authorship is distributed,
but not in a way that denies the individual her
authenticity or
power of self creation, as rather crude models of
collectivity might
have done in the past. On the contrary, telematic culture
amplifies
the individual’s capacity for creative thought and action,

for more vivid and intense experience, for more informed
perception,
by enabling her to participate in the production of global
vision
through networked interaction with other minds, other
sensibilities,
other sensing and thinking systems across the
planet—thought
circulating in the medium of data through a multiplicity
of different
cultural, geographical, social, and personal layers.
Networking
supports endless redescription and recontextualization
such that
no language or visual code is final and no reality is
ultimate.
In the telematic culture, pluralism and relativism shape
the configurations
of ideas —of image, music, and text—that circulate in
the system."

read more here

Designed experiences?

Engineered exchanges?

Systems?

GAMES

Plan

Programming

Choreography

Architecture

Design

Narrative

Ritual/Habits/learning

Network

dance-tech.net

visualization

CIANT website

EMBODIED COGNITION

Philosophers, cognitive scientists and artificial intelligence researchers who study embodied cognitionembodied mind believe
that the nature of the human mind is largely determined by the form of the human body. They argue that all aspects of cognition, such as ideas, thoughts, concepts and categories are shaped by aspects of the body.
These aspects include the perceptual system, the intuitions that
underlie the ability to move, activities and interactions with our
environment and the naive understanding of the world that is built into
the body and the brain. and the

Lucy Suchmam: SITUATED ACTIONS:

She challenged common assumptions behind the design of interactive systems with a cogent anthropological argument that human action is constantly constructed and reconstructed from dynamic interactions with
the material and social worlds. The theory of cognition"">situated cognition emphasizes the importance of the
environment as an integral part of the process" class="mw-redirect"">cognitive process. She has made
fundamental contributions to ethnographic analysis, conversational
analysis and Participatory Design techniques for the development of
interactive computer systems.

1 Cognition is situated.

2 Cognition is time-pressured.

3 We off-load cognitive work onto the environment.

4 The environment is part of the cognitive system.

5 Cognition is for action.

6 Off-line cognition is body-based.

Activity...exercise!

CHANGE

BOUNDARY

INTERFACE

STATE/Behaviors

RULES (open relationship) Collaboration

WHAT IS CHANGING??

CHANGE

VARIABLES IN A SYSTEM:

CONTROL

AGENCY

AUTONOMY

EMERGENCE OF PATTERNS:

ACCUMULATION IN TIME = PACE

ACCUMULATION IN SPACE = PLACE

hubs, nodes and relations

INTENSITY/FLOWS/

DOMAINS___CREATED BY THE INTERACTION

DOMAINS:

• memory: recording,storage, assess (media production and date bases) suggestion systems, and search engines, cataloging/user generated, beliefs
• Imagination: simulations and abstractions, all sensoriums/myth
• Environment: other sentient creatures, technology systems, space.

Process and presence

SYNCHRONOUS AND ASYNCHRONOUS

to systems, to interaction, to creative process

Dynamics

Knowledge

Articulation

Replication

Growth

Metabolic

Movement
metamorphosis
Mutation

Adaptive

Decay

Evolution

-

Re-learned

Re-program

Re-designed

Re-engineered

-

Copy/sampling
Combinatorial/remixing
hacking of infrastructure
re-purposing
Feedback and adjustment in the PROCESS

Continuous beta

Prototype

CONTINUOUS PROTOTYPING

TECHNOLOGIES OF TRANSMISSION AND CHANGE (TECHNE)

META and self: story about ness

ECOSYSTEMS...

HYBRID SYSTEMS

AUGMENTED STORYTELLING

distributed...performance

KNOWLEDGE: MEMORY AND IMAGINATION/IS ALWAYS SHARED/ALWAYS EMBODIED

COMMUNITY/COLLECTIVE/crowds (artists, community and institutions)

INNOVATION: ALWAYS COLLABORATIVE AND LINEAGE BASED

SOCIAL AUGMENTATION OF THE COGNITIVE PROCESSES

COGNITIVE AUGMENTATION OF THE SOCIAL

communication Infrastructure that has allowed to mirror the social

INVOLVEMENT:

• Show case/this is me and this is what I do?
  
• Dialogue
• Collaboration: centralized/Distributed.
• Coordination actions/planning
• Real-time

CONVOCATORIA

“Creando Espacios”

Desarrollando procesos creativos

Seminarios de especialización de Teatro Físico y Contact Improvisación

“Creando Espacios”, es una iniciativa de integración y colaboración, del grupo promotor OTRAPIEL Compañía de danza, a desarrollarse en Asunción-Paraguay, en el marco de las actividades del Programa de Circulación e intercambio de procesos creativos creado por Vanilton Lakka (Brasil). Esta propuesta cuenta con el patrocinio del Centro Cultural de España Juan de Salazar-CCEJS y el FONDEC.

Este año, las creadoras invitadas son Cristina Turdo, bailarina, coreógrafa y docente, quien conoció el Contact Improvisación a mediados de la década de los 80; Sandra Fiorito, bailarina, coreógrafa,
Maestra de Danza Contemporánea y actriz quien ha trabajado en Taller de Danza Contemporánea del Teatro Municipal General San Martín; Ethel Agostino, actriz, escritora y docente, formada en actuación en el “Instituto de Teatro de la Universidad de Buenos Aires”

Las profesionales argentinas, estarán dictando dos seminarios, Teatro Físico con Ethel Agostino y Sandra
Fiorito y Contact Improvisación con Cristina Turdo, en el marco de Creando Espacios. El calendario de actividades se desarrollará de la siguiente forma:

• Seminario 1: Teatro Físico del 12 al 17 de julio con Ethel Agostino y Sandra Fiorito, de 16:00 a 21:00 hs.

Sandra Fiorito, bailarina, coreógrafa, Maestra de Danza Contemporánea y actriz quien se ha formado en Taller de Danza Contemporánea del Teatro Municipal General San Martín, además de tomar clases en la Escuela Municipal de Arte Dramático.

Ethel Agostino, actriz, escritora, docente. Formada en actuación en el “Instituto de Teatro de la Universidad de Buenos Aires”, bajo la dirección de Oscar Fessler y Juan Carlos Gené. , además de
cursos y talleres con los Maestros Heddi Crilla y Augusto Fernández.

Este seminario propone arribar una comunión entre el interno del intérprete y lo que finalmente va a mostrar. Dejar conciencia clara de este eje-conductor-interno, sin el cual la manifestación artística será hueca o retórica. No se puede expresar una idea, una idea es sólo un germen a desarrollar, una idea está en el orden de lo abstracto, de lo todavía no expresado.

Lo realmente expresable son las imágenes a las que aquella idea nos arrojó. Sumemos las sensaciones, los sentimientos, las formas, los diseños, los recorridos, las maneras particulares que concibamos para ese único y preciso envase de nuestra poética y estaremos frente a un gran desafío.

• Seminario 2: Contact Improvisación, del 19 al 24 de julio, con Cristina Turdo, de 16:00 a 21:00 hs.

Cristina Turdo, bailarina, coreógrafa y docente, quien conoció el Contact Improvisación a mediados de la década de los 80, se ha formado dentro y fuera de su pais .Viajó a EEUU y a Europa a estudiar con diferentes maestros entre ellos Nancy Stark Smith (USA), Dany Lepkoff, Andrew Harwood (Canadá), Lisa Nelson, Alito Alessi (USA), Cathie Caraker (Neatherland), Mark Thompins (Francia).

El objetivo de este seminario es practicar e integrar a nuestra experiencia principios y fundamentos del
Contact Improvisación. A través de sutiles conexiones internas e imágenes sensoriales así como a través del encuentro con nuestra estructura ósea y demás tejidos corpóreos trabajaremos habilidades físicas preceptúales tales como caídas y su relación con la fuerza de gravedad; compartir peso, sostener - ser sostenido; guiar y ser guiado, vivenciaremos fuerzas físicas como la inercia, el momentum y transitaremos por
algunos patrones orgánicos de movimiento como: rolar, deslizar, reptar, gatear, entre otros.

Cultivar la atención para acrecentar la conciencia en el encuentro con el otro, con el espacio, y con
el "instante presente”, para ser invitados atransitar un estado “atencional” diferente, para disponernos a recorrer un camino único y de todos, un camino hacia la danza- improvisación, en un constante fluir del encuentro con “lo otro; que en definitiva es uno mismo”.

Los seminarios son de carácter gratuito, realizando una muestra abierta al público, como producto del trabajo desarrollado, al término de cada seminario.

Ambos están dirigidos a profesionales de Danza Contemporánea, Teatro y toda persona que posea
conocimientos sobre el trabajo corporal. Se requiere un mínimo de dos años en el ejercicio de la profesión como docente, bailarín, coreógrafo, actor, creador artista del movimiento.

Para acceder a cursar el seminario, será requisito enviar, vía email a creandoespaciosdanza@gmail.com,
el formulario de inscripción, el cual estará sujeto a revisión, que puede ser bajado de www.creandoespaciosdanza.blogspot.com, asumiendo que la fecha del cierre de convocatoria, es el 3 de julio del 2010. La selección será comunicada el 7 de julio del corriente, por correo electrónico, quedando a cargo del participante los gastos de traslado, alojamiento y alimentación, tanto para los nacionales como extranjeros. Se otorgarán certificados. Plazas limitadas.

Para recibir información detallada sobre los seminarios, favor contactarse a:

creandoespaciosdanza@gmail.com

www.creandoespaciosdanza.blogspot.com

+595 991 853 943

+595 220 229 111

• Please send us your CV in English (full address, birthday, age, nationality)
• CV in English
• 1 dance photo
• Short letter of motivation (max. 400 words).
• A link to your page in any of the networks.
• It is recommended that you have video of your performance and/or choreographic work posted in the networks.

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