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Thursday, January 24, 3:30 – 5:00 p.m., Room 165 Thompson Library
Marlon Barrios Solano (creator and producer of dance-tech.net, dance-tech.tv and more than 400 video interviews and webcasts) will share his experience on developing horizontal architectures for knowledge production, exchange and distribution afforded by the new internet and portable technologies. His projects explore social networking and internet video production and distribution, live video broadcasting, online curatorial strategies and tactics, collaborative creativity/learning and mobile augmented reality technologies. He investigates the internet as a participatory creative ecosystem and as a space for social innovation and collaborative action. He interfaces and recombines the crowd and the cloud within hybrid knowledge landscapes.
co-sponsored by the Digital Arts and Humanities Working Group, Humanities Institute and the OSU Libraries.
Roberto Oliván estrena "A place to bury strangers" (ver vídeo) en el Mercat de les Flors del 18 al 20 y del 25 al 27 de enero de 2013.
Por este motivo, compartimos con vosotros este artículo de Nerea Aguilar para Danza Ballet sobre el artista:
Roberto Oliván, la coherencia de un artista comprometido y multidisciplinar
De Roberto Oliván (Tortosa, 1972) podemos valorar su paso por PARTS (Anne Teresa de Keersmaeker, fundadora de la compañía Rosas, para la cual él también bailó), su contacto, también en su residencia en Bélgica durante doce años, conBob Wilson y Trisha Brown, su estudio de las artes circenses; es decir, podemos valorar su poderosa y potente trayectoria artística.
Pero lo que diferencia a los grandes artistas no es su currículum, sino el uso que hagan de él, de sus experiencias, de su entorno, del tiempo que va cambiando a su paso por la vida, de su filosofía sobre el arte, sobre la vida, sobre la sociedad, sobre el ser humano, y cómo esto realmente sepan fusionarlo, como camino obligatorio de entenderse a sí mismos y su arte, para darle forma en un espectáculo.
Roberto Oliván es por tanto un artista contemporáneo, que se ha dejado seducir sin miedos por las disciplinas, que ha sabido fusionar lo popular y lo elevado de la técnica, porque su mente es dinámica y enérgica y no entiende el arte de otra forma que, por tanto, no sea de varios ámbitos; un arte nunca estático, siempre en movimiento porque el artista se alimenta de todo lo que le rodea. Y consigue que su coherencia traspase la escena y no sea simplemente un propósito de creación, en el que se decide llevar a cabo una fusión de elementos, gentes, temas porque es lo bueno o lo que se lleva, sino que consigue una coherencia consigo mismo a partir de entender el arte como algo orgánico en continuo movimiento, como es el ser humano en sí mismo, que “entra en una cadena de acción-reacción”.
Roberto Oliván es por tanto un artista contemporáneo, que se ha dejado seducir sin miedos por las disciplinas, que ha sabido fusionar lo popular y lo elevado de la técnica, porque su mente es dinámica y enérgica y no entiende el arte de otra forma que, por tanto, no sea de varios ámbitos; un arte nunca estático, siempre en movimiento porque el artista se alimenta de todo lo que le rodea. Y consigue que su coherencia traspase la escena y no sea simplemente un propósito de creación, en el que se decide llevar a cabo una fusión de elementos, gentes, temas porque es lo bueno o lo que se lleva, sino que consigue una coherencia consigo mismo a partir de entender el arte como algo orgánico en continuo movimiento, como es el ser humano en sí mismo, que “entra en una cadena de acción-reacción”.
De farra cartel
El arte como expresión de lo que está sucediendo, y lo que sucede a nuestro alrededor no es algo aislado, no podemos extrapolarlo de tantas otras cosas de las que se alimenta. Lo que está sucediendo hoy día se da en las calles, en los barrios, en los pueblos, en las plazas, en los mercados. Algo pasa también en nuestras cabezas, cuando nos hacemos las preguntas de siempre sobre nosotros mismos y nuestro camino a la felicidad, cuando buscamos disfrutar de la vida y aprovecharla al máximo, cuando nos preguntamos qué queremos. Porque como un animal, Roberto, está olisqueando a su alrededor, saboreando las cosas y generándose preguntas.
Roberto Oliván arriesga, crea espontáneo, evita el miedo y se sale del formato típico de la danza contemporánea y del público que se espera de ella y del espacio que le sirve de acicate para sus creaciones.
Su compañía Enclave es de nuevo otra muestra de su contemporaneidad. Es trabajar en grupo pero no olvidar al individuo, porque no podemos olvidarnos de nosotros mismos en estos tiempos, pero estamos en sociedad y rodeados satisfechos de individuos de muy distintas procedencias.
El kiosko de las almas perdidas
Y se lo ha querido comer todo desde sus creaciones. Porque ve de absoluta naturalidad y orgánico un arte que junte todas estas cosas y las muestre bajo las formas del arte circense y la danza contemporánea. Los artistas de circo son fuertes, son enérgicos, son hábiles físicamente, y si consiguen salirse del bloqueo muscular pueden ser grandes bailarines. Y el circo no tiene por qué reñir con la danza. De la danza le interesan otras cosas, la técnica, pero sobre todo ese camino a lo personal, esa indagación en el yo del ser humano. Se le abre entonces un gran abanico de posibilidades que coge con la soltura de quien no le teme a la acción, sea física o interior.
La modernidad está también en lo cotidiano, y Roberto se alimenta de lo cotidiano para sus creaciones. Lo cotidiano como muestra de las gentes que le enseñan. De ellas aprende las filosofías que descubre en sí mismo, y sin darse cuenta repite métodos de creación que le llevan a esa cercanía con la gente, se sale de su sala, de la típica cerrazón de los “artistas”, encerrados en su ego, para abrir sus puertas a lo normal, lo popular y lo inmediato por ser cercano y vivo.
El hombre contemporáneo es aquel que también sabe de sus contradicciones y que aprende de ellas, como Roberto, de sus raíces de pueblo y su vida en las grandes ciudades. De todo se puede aprender y todo nos enriquece.
De todo este conglomerado salen piezas como De Farra. La fiesta en la calle es el origen, la música, la mezcla de personas, de influencias de diversos países, la mezcla de colores, sonidos y energías, como el mismísimo Kusturica.
Homeland supone el verdadero reflejo de la fusión bien hecha de gentes de circo, bailarines y músicos en directo. La cercanía entre los mundos se produce poco a poco, mientras los de circo se despojan de su rigidez y se van adentrando en el mundo de las emociones, los bailarines deben trazar su línea en sentido contrario, hacia lo acrobático. Así, Homeland no puede ser ni danza ni circo, puede serlo todo o puede no ser nada, porque no tiene por qué tener una etiqueta, porque al llegar a la coherente naturalidad no distingamos tan claramente los mundos, sino que los disfrutemos como lógica de acción-reacción bajo esa proximidad física e interior en la que indaga.
El kiosko de las almas perdidas nace de nuevo de un hecho cotidiano, del movimiento y la vida que se produce en una lonja de Vigo. Esta pieza es un encargo del Centro Coreográfico Gallego y por tanto el proceso es diferente, las dificultades son otras, pero a pesar de eso ahí está su cabeza, buscando en las preguntas eternas sobre las normas de la sociedad, la búsqueda de la felicidad, el lugar del individuo, etc.
Roberto quiere volver a su trabajo multidisciplinar; quiere retomar el circo para sus creaciones, porque lo echa de menos. No sabemos si lo que echa de menos es la diversión que aporta con energía el circo y lo gustoso de verlo dado de la mano de la belleza de la danza, o si, por el contrario, lo que echa de menos es tener la sensación de que abarcando más y sin miedo está llegando a sentirse más en su yo, porque está abierto al otro, y el otro es tanto y tan grande y el verdadero artista tan abierto y tan generoso que obligatoriamente se tiene que producir un placer vital en su creación.
El kiosko de las almas perdidas
Y es que no quiero que alguien que despliega y “malmezcla” medios y ámbitos artísticos me diga que es Artista, no quiero que alguien desde lo alto, arriba en las esferas, se proclame comprometido con su sociedad, su tiempo, la vida y toda la filosofía e intelectualidad que cree poseer; no quiero acudir a grandes teatros o pequeñas salas, me da igual, para ver lo mismo mientras que quien lo muestra se cree el más moderno. No quiero, por tanto, que creen para mí, para mis ojos, es decir, artificialmente para impresionarme. El espectáculo llega a mis pelos para ponerlos como escarpias si me lo das con sinceridad. No quiero las incoherencias creativas y personales de artistas con aires de grandeza; quiero la humildad, quiero el sentido lógico y sano y natural de quienes crean desde su yo humilde y abierto, que lo ofrecen a la gente más normal, con la generosidad de saberse igual, con la espontaneidad de la energía de querer vivir-crear sin los límites que ponga ni el ego ni la hipocresía.
Pero este tipo de artista está en extinción. Roberto Oliván es ese animal en extinción, al que hay que buscar en el Delta del Ebro y “en clave” de muchas cosas, y que gracias a él, como a otros, la naturaleza artística contemporánea muestra la cercanía a la realidad de lo que creíamos ideal.
Texto: Nerea Aguilar
Publicado en Danza Ballet
Añadimos aquí un par de fotos tomadas durante la improvisación de Roberto Oliván en la Noche de Danza, Costa Contemporánea 2012:
Fotografías de @Pollobarba
Jeannette Ginslov interview with Mike Aldridge
in Screen Africa
Screen Africa p19
Ed. Screen Africa January 2013
http://medea.mah.se/2012/12/publication-prototyping-futures/
MEDEA - December 2012. Prototyping Futures – a publication exploring research themes and challenges. What research themes and challenges are we exploring right now at Medea? How can research and collaboration across borders contribute to societal change and more sustainable futures? In the publication Prototyping Futures, we summarize what is going on at Medea. We have over the past few weeks talked to a bunch of people affiliated with Medea, asking them what gets them out of bed in the morning. We have assembled interviews, essays and photo collages into a fanzine-style magazine. Over the upcoming months, we will publish most of its contents on this website.
Jeannette Ginslov article on AffeXity: Capturing Affect with a handful of techne (p.85)
http://jeannetteginslov.com/blog/wp-content/uploads/2012/12/Screen-Shot-2012-12-11-at-9.17.15-AM.png
Watch video Interviews from American Realness 2013.
http://dance-tech.tv/tag/american-realness-2013/
DIGITAL MEDIA + NETWORKS + TRANSDISCIPLINARY CRITIQUE
MEDEA and the School of Arts and Communication, Malmö University, Sweden.
Issue 21: Exploring affective interactions.
AffeXity: Performing Affect with Augmented Reality by Susan Kozel
CHOREOGRAPHING AFFECT USING AUGMENTED REALITY ON MOBILE DEVICES
Playing on both ‘affect city’ and ‘a-fixity’, AffeXity is an interdisciplinary, collaborative, social choreography project drawing together dance, geo-spatially tagged visual imagery, and people using mobile-networked devices. Located in Medea’s wider research and production profile, this is a particularly material and performative example of the “Internet of Things.”
Project description
Cities are made up of layers of choreographies, these are patterns of relations between people, technologies, and architectures. AffeXity will insert additional choreographic video layers viewed through Argon, a free open-source augmented reality browser. These layers of dance emphasise ebbs and flows of affect; they are created and sensed by bodies in motion.
Playing on both ‘affect city’ and ‘a-fixity’, AffeXity is an interdisciplinary, collaborative, social choreography project drawing together dance, geo-spatially tagged visual imagery, and people using mobile-networked devices. Located in Medea’s wider research and production profile, this is a particularly material and performative example of the “Internet of Things.”
Affexity is a collaboration between:
- Susan Kozel (MEDEA, Malmö University, Sweden)
- Jeannette Ginslov (Director of Screendance Africa & MoveStream, Denmark/South Africa)
- Timo Engelhardt (Master’s student in the Media Software Design programme, Malmö Högskola, Sweden)
- Jay David Bolter (Mixed Environments Lab, Georgia Institute of Technology, USA)
- Maria Engberg (Blekinge Institute of Technology, Sweden, and Georgia Tech USA)
- Wubkje Kuindersma (Dance Artist, Copenhagen)
- Additional screendance artists, choreographers, and dancers to be confirmed.
CALL FOR SUBMISSIONS OF STUDENT SCREENDANCE WORKS
The University of Utah’s Departments of Modern Dance and Film and Media Arts are requesting submissions of student dance films to be screened on the opening night of the 9th International Screendance Festival and Summer Intensive Editing Workshop with SIMON FILDES, June 23, 2013. Submissions must be a screendance piece, created specifically for film or video, or a staged work recreated for the camera. We are also accepting short dance-related documentaries. Please note that these submissions are not to be performance documentations. A small cash prize for the Jury’s Choice will be awarded.
- Only Region 1 or All Region DVD formats, and working web links will be accepted. More important information about screening formats is available at dance.utah.edu/screendancefest2013
- The work must have been completed while enrolled in a full-time degree program or workshop setting.
- DVDs will not be returned unless requested. If requested, please include a self-addressed stamped envelope for the return.
- There is no submission fee.
- Length of the work must not exceed 15 minutes.
- Please DO NOT send additional materials with your submission such as press or other presentation materials. An effort is made to preserve a blind jury.
- Artists may submit up to three different projects for consideration.
- Jury comments will be available upon request.
- Copies of submitted films will be retained for the purpose of archiving the festival.
Postmark deadline for mailed submissions is by 5:00PM, March 1st. Online submissions must be received by midnight Mountain Standard Time, March 15. All submissions must include a submission form for each submission. Individuals are allowed to submit a maximum of 3 films. Links to Submission Forms will soon be available at dance.utah.edu/screendancefest
For submission information please contact:
Tanja London, t.london@utah.edu,
Send submissions or links to:
Ben Estabrook, ben.estabrook@utah.edu
International Screendance Festival, University of Utah Department of Modern Dance,
330 S 1500 East, Room 106 , Salt Lake City, UT 84112 USA
Don't miss Gustavia by Mathilde Monnier and La Ribot in NYC during the first day of the APAP vortex that will be taking place in New York City during the next two weeks!
In Gustavia, celebrated choreographers Mathilde Monnier and La Ribot use repetitive, energetic, and “slapstick” movement inspired by the classic burlesque tradition to address womanhood and the joys and sorrows surrounding their profession.
An explosive performance about the relationship between contemporary art and life.
http://www.fiaf.org/events/winter2013/2013-01-10-mathilde-monnier.shtml
Also watch a the documentary La Ribot Distinguida by Luc Peter on dance-tech.tv!
http://dance-tech.tv/videos/la-ribot-distinguida-documentary-la-ribot/
Costa Contemporánea met La Ignorancia to create a unique video dance project that took place at the Natural Park of Cabo de Gata, (Almería, Spain).
This video-dance project has been conceived as creative break for directors, dancers, performers, photographers, film technicians or anyone else interested in the art of filmmaking.
A new concept with the goal of creating cultural and educational experiences in a unique environment.
Costa Contemporánea broadened its horizons to international participants thanks to the collaboration and experience of the multidisciplinary collective La ignorancia dance film music, based in Brussels since 2008 and formed by the choreographer / filmmaker Ana Cembrero and the cinematographer /musician Jorge Piquer.
During the workshop participants approached the currently under expansion art genre video dance: reviewing the history of cinema and dance, learning the technical aspects of the camera, editing and post-production software, introducing themselves to the new independent filmmaking technologies as well as the low-cost HDSLR cameras.
They analyzed motion from a cinematographic point of view and the relationship between body and audiovisual language. Overall, participants explored their personal creativity through practical exercises and carried out their dance-film from the first steps, wrapping up with a general overview of the different coverage media and distribution.
A selection of the work created at the workshop was screened at International Dance Festival Mes de Danza de Sevilla (see pictures) and at EAMM Arts School Miguel Marmolejo (see pictures)
See video: MAKING OF VIDEO DANCE WORKSHOP, Videodance Workshop 2013
See video: MERCURIO by Tristana Castilla, Videodance Workshop 2013
See video: VIDEODANCE WORKSHOPS
Videodance Workshop 2013
Join us in the art of dance filmmaking in a charismatic environment.. Come and create movies, create dance in a natural environment through the interaction of these two artistic languages, developing a powerful visual expression.
Photo @Pollobarba
Find more photos like this on dance-tech.net
educational training programme for mòdulmap is an educational training programme directed at dancers and choreographers who have completed their studies and are now in the process of becoming profesionals or for existing profesionals who are looking to further their knowledge and skills. módulmap is an exploration of the various languages of movement, the body and the different tools and technologies which are employed in the creation of new works. |
mòdulmap #2 - February at lacaldera from 4th February to 1st March 2013 from 4th to 8th February from 11th to 15th and from 18th to 22nd February from 18th to 22nd February from 25th February to 1st March * 10 % discount for associates to professional dance associations |
This year the CIA LTDA has made some (10) nice colaboration, producing videos-performance with diferent creators, check the videos:
ODE AO ÓCIO, ZONAS ERÓGENAS, BANQUETE PARA LOS PERROS, CABEÇA PARA ABELHAS, SINFONIA PARA OS POMBOS, LIVRE INICIATIVA, MATA REDONDA, D DE DESEJO, ADOTE-ME, IN RISCO
Marlon asked me to share this with the Dance-Tech community. It is a canary torsi's year end newsletter recapping the group's work in 2012:
2012 was an intensely creative and rewarding year for a canary torsi. We have so much to share, we thought we would present the highlights in a visual and fun recap.
We kicked it off in January with the production of the dance video, Heather O, at Kirby Theater at Amherst College (my alma mater) performed by Kimberly Young and designed with Kathy Couch + Stephan Moore.
As if one project in January were not enough, we presented the lab performances of Five Performers Demonstrate a Field as part of a five-week Floating Points Residency at the pioneering experimental performance center, ISSUE Project Room, with composer Ben Bernstein, installation designer Charles Houghton, performers Amity Jones and Marina Libel, and musicians Anna Garcia and Peter Lanctot.
In March, we had our first of several residencies with our primary partner--the innovative Vermont Performance Lab--on the development of our newest participatory installation project, The People to Come. We attended Town Meeting at Marlboro's historic Town House, where the preview of the piece would be performed. In July, I returned to work with local artist and photographer, Jess Weitz, to launch the website for the project, thepeopletocome.org, by taking over 50 portraits during Marlboro's Summer Sale. These became the first audience submissions uploaded to the site.
In May, we had our Media Fellowship Residency at the national choreographic center, Maggie Allesee National Center for Choreography. Web Director Sam Lerner, designer Kathy Couch and I worked with three focus groups to develop the accompanying website for The People to Come: thepeopletocome.org. We were joined by performer Luke Miller who performed the first work-in-progress using audience-created submissions to create a dance in front of the audience.
July was a flurry of activity. In addition to my visit to Vermont to work with photographer Jess Weitz, we presented the sold-out remount of 2011's highly successful, Paradis, for the Brooklyn Botanic Garden presented by New York Live Arts. It was met with critical and audience acclaim:
"A dance evolves within me over time. What isn’t memorable eventually slips away, while other moments may become more vivid. An entire scene can be condensed into a single image. I’ve always felt this with performance, but never have I experienced this evolution so intensely, as I did after seeing Paradis by Yanira Castro | a canary torsi."
– Christine Shan Shan Hou, Idiom
We ended the month with a special one-night only event, Invisible Dog Interior, Heather O, at The Invisible Dog Art Center, performed by Kimberly Young and Peter Schmitz with lighting and environment by Kathy Couch and sound by Stephan Moore.
In a year that has been so full, the highlight was the creation and premiere of our newest participatory performance installation, The People to Come. With an installation by Couch, sound by Moore and five incredible performers: Simon Courchel, Luke Miller, Peter Musante, Peter Schmitz and Darrin Wright, People is my next step in a line of questioning: What is the divide between spectator and participant? People is a work made with and in front of the audience. It was built with the support of four major residency centers: Vermont Performance Lab; the venerable 40-year institution, The Yard; Lower Manhattan Cultural Council’s Swing Space program; and Maggie Allesee National Center for Choreography (MANCC). The piece premiered at Granoff Center for the Creative Arts thanks to Brown University's Creative Arts Council. Check out www.thepeopletocome.org and see over 400 submissions from audiences we visited in Providence, RI; Marlboro, VT; Tallahassee, FL and Martha’s Vineyard, MA. None of these presentations would have been possible without the amazing support of an Expeditions grant from the New England Foundation for the Arts.
2013 holds even more in store. We are touring People to Space Gallery in Portland, ME and presenting the New York premiere at the The Invisible Dog (June 22-29). We have been honored with a multi-year (!!) commitment from MANCC, and with a multi-year residency from Dance New Amsterdam to start developing our next work, Court/Garden, with another amazing cast: Simon Courchel, Luke Miller, Stuart Singer, Pamela Vail and Darrin Wright.
As 2012 draws to a close, we at a canary torsi wish to thank everyone who contributed so much to our work this year. Whether you came to a show, gave us a portrait, shared the stage with a performer or contributed a sound score -- you were part of the impact.
WATCH HERE!
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CALL FOR PERFORMANCE SUBMISSIONS
Between the Seas Festival in New York City,
July 22nd- 28th 2013
www.betweentheseas.org
Submissions deadline: January 14th 2013
Contact:betweentheseasfestival@gmail.com
The third edition of Between the Seas Festival will take place from July 22nd to July 28th at the Wild Project theater in the heart of the East Village.
We are now inviting submissions for full and short length works, fully developed or works in progress, original or previously presented, in the fields of theater, dance and music by artists of the Mediterranean and Mediterranean diaspora.We are interested in a broad range of works that may include: works that present new aesthetic developments in the region;adaptations of the classics; performances that explore questions of identity, conflict, the reality of life in the region; and more. For the full call for submissions and detailed guidelines visit: www.betweentheseas.org
Between the Seas was founded in 2010 and it is the first and only festival in North America promoting contemporary Mediterranean performing arts. The annual festival that runs for one week each summer in New York City, has quickly grown into a unique platform of high quality work, presenting some of the most exciting and thought provoking artists working in the Mediterranean region. With an eclectic programming of performances that so far have included Egypt, Israel, Greece, Lebanon, Italy, Spain, Turkey, Canada, Morocco and the US, the festival's past two editions (2011 and 2012) have offered NYC audiences over 20 new works including NYC, USA and world premieres by established and young artists: Balletto Teatro di Sardegna, Lina Abiad, Mancopy Dansekompagni, Elias Aguirre, Rachel Erdos, Ido Tadmor, Korhan Basaran, Malika Zarra, are some of the artists that have honored Between the Seas with their participation.
Source: http://betweentheseas.org/home/
29th and 30th November: Guillermo Weickert's Workshop at Choreoroam Europe
CONTEXT: How do we approach, in just a few workshop sessions, a concept that is so broad and full of nuances, and at the same time, of such vital importance for our work?
For our encounter in Madrid I propose simply to share a common focus for our gaze and offer a space to work and reflect together.
I do not feel that I have anything concrete to say, nor revealing information to pass on to you. I do, however, have enormous curiosity regarding everything that we can rethink together and share about this idea, to “reside” for these two days within the idea of “context”, define different meanings and senses, as individuals and as a group. Different ways of analyzing the way contexts affect or condition our creative processes. To design strategies that can help us detect possible difficulties and find ways of transforming them into assets.
I would like to propose lines of work that originate in the body and in work on the stage, and find others that are genuine and originate within the group itself; to visit and study cases or situations in which choreographic or dance initiatives have had an impact on and transformed contexts that seemed initially hostile.
I would like the results of our two days of coming together and reflecting to bring some kind of new consciousness to our personal practice, to revisit our own experiences, not in order to acquire new knowledge but rather to sum up and structure in a useful way the resources and capacities of adaptation to our environment that we already possess and have undoubtedly applied in an intuitive manner; to make them visible and readily accessible to us for use in our future work.
Guillermo Weickert
La esencia de la creación, 'Material inflamable'
Los días 24 y 25 de noviembre, el Teatro Central se vistió de gala con una de las programaciones más imprescindibles de la temporada, 'Material inflamable', de Guillermo Weickert. Una pieza que tras recorrer importantes espacios escénicos y girar, sobre todo, por los senderos interiores de Guillermo, llegaba al Central revisada en un formato si no definitivo, sí completo, coherente y conmovedor.
Partimos del principio de que no habrá crítica que haga justicia a lo que evoca esta pieza. Nadie con sus palabras, negro sobre blanco, podrá acercarse mínimamente al efecto y contenido que pudimos ver en Sevilla. Acercarse a tan inmensa fuente de sensaciones y materiales me provoca un sentimiento de alta pequeñez. Me acerco con cuidado y máximo respeto, y advierto de que lo que aquí escribo probablemente solo será apto para apasionados y defensores del arte escénico. Quien desee saber más o entender lo que aquí narro, solo tiene que perseguir lo que espero que sea
la gira más fructífera de Guillermo Weickert.
Una gran luz blanca nos recibe inundando la sala, y Guillermo, en una esquina, nos espera paciente, cara a cara. Estamos todos al descubierto y él sin esconderse ya está haciendo su declaración de intenciones. A partir de ahí, nada esconderá. Nos da ese lugar protagonista o acompañante de público cómplice a su cara descubierta y nos dice que sin ambages nos está esperando. Comienza el espectáculo luminoso y sincero.
Como si de una obra épica se tratara, viajamos durante casi una hora sin descanso. Unagesta por caminos distorsionados que componen, descomponen, deshacen y enhebran los materiales del coreógrafo. Nos adentramos en nudos de creación interiormostrados en un cuerpo imponente que tensa las posibilidades físicas y creativas. La información se acumula y nos emborrachamos girando o siguiendo brazos que dibujan ochos infinitos. Con su cabeza y sus manos estamos dentro, estamos en Guillermo, en su pasado, en sus fuentes... en su material. Borrachos de movimiento, entramos en trance, no nos mareamos, seguimos un lenguaje lógico que repite para innovar, que juega para reinventar, que siembra para regalar, con el que discute y disfruta.
El cuerpo se hace infinito, múltiple y sobrenatural. Los yoes personales sobre el escenario nos dicen "aquí estoy", no hay más o lo hay todo, soy yo y mi trayecto, desnudo me muestro. En una especie de metaescena, vemos y recibimos tanta información y estímulos como puede haber en la mente de un coreógrafo, nos acercamos a sus contradicciones, a su deseo de transmitir y bailar. Y se nos empieza a inflamar el pecho porque estamos recibiendo esa intensidad nerviosa del creador que con deseo y pasión quiere soltar lo que tiene dentro, pero que pelea en ocasiones con las barreras para saltarlas y volverlas a construir.
Está solo y acompañado por su pasado y su presente, por tanto aprendido y vivido, pero está acompañado, porque desde el principio, bajo una luz blanca y mirándonos calmo, nos dijo: aquí estoy y aquí estáis. Entonces quiere más, pero se angustia, se vuelve a enrollar en sí mismo, se frena en la fluidez o se deja llevar y rebota su cuerpo en incesantes quiebros que nunca esperamos, que siempre sorprenden.
La tela es dorada, la vemos tendida sin construir aún en el suelo, la luz viaja con él, de oscuros, íntimos y sugeridos momentos a otros más abiertos. Pero siempre viaja, como viaja con él su equipo, porque Paloma Parra está respirando con él para abrirle las estancias que necesita y prender las chispas más oportunas.
Es una noche dorada, de galas y reflejos, de fuegos. El dorado, como color propio de la escena, del teatro, como color de lo fastuoso, del lujo... puede ser impostado, puede ser ficticio o puede ser incandescente como el fuego. Cuando la tela sube yenmarca el espacio y se refleja en nuestras caras, las contradicciones cogen su sentido, e iluminada exquisitamente y ondeada por vientos suaves se convierte en los rayos eternos del creador. Lo dorado es grande, es luminoso, es pasional, pero también es reflejo, apariencia y superficialidad... Se trata en 'Material' entonces de darle calidez a esas contradicciones y quitarle al oro su papel de impostura para darle la máxima calidez. Guillermo, con su sinceridad y su viaje, le da al oro el tono más rojo, el de la pasión y la sinceridad.
Y seguimos viajando sin parar por movimientos que entran y salen del cuerpo, que se abren para volver a entrar, porque estamos saliendo y entrando por sus miembros, como lo hacemos con él, con el coreógrafo. Viajamos por ese espacio externo de la escena y por el interno del creador. Y vuelta a empezar, no acaba, puede ser infinito, cuánta capacidad tiene un creador de dar, dónde está el límite a tanto como quiere expresar, como tiene dentro. Y vuelta a caer cruzando las piernas en un 4 y vuelta a la contorsión... Me desconcierto ante las capacidades, me dejo llevar, me emborracho, ya soy suya, no hay vuelta atrás, estoy en su mundo y quiero más.
Cuando reposa y marca la pausa con su gesto, su mirada y potente dominio conocido de la interpretación, me hago cómplice y entiendo, entiendo y agradezco estar ahí, en su mundo de sufrimientos, de ardores y desconciertos. Una perspectiva sobre su gesto, sobre lo vivido, lo aprendido. Mirar atrás, construir pisando sobre lo aprendido, visto. Pisar sobre los caminos duros del creador, del bailarín con un aplomo difícil de ver. Y entonces camina por la tela más bella, su tela dorada, camina y discute sobre sí mismo, consigo mismo. Una esquizofrenia deliciosa. Pisar sobre un camino que brilla, quema y lleva galas. No está solo porque tiene entidades e identidades distintas, opuestas y complementarias, inseguras o luchadoras, enrabietadas y tristes, con humor y descaro.
Y sigue construyendo, como construyen los ruidos que nos evocan obras de magnas construcciones. Así, sigueconstruyendo el escenario del creador, con imponentes y elevados soportes y pilares grandes que cuesta tanto levantar, así, a golpes, con ruidos violentos que no generan tanta inquietud porque él se asume en estos vaivenes interiores y físicos.
Como si de una obra épica se tratara, viajamos durante casi una hora sin descanso. Unagesta por caminos distorsionados que componen, descomponen, deshacen y enhebran los materiales del coreógrafo. Nos adentramos en nudos de creación interiormostrados en un cuerpo imponente que tensa las posibilidades físicas y creativas. La información se acumula y nos emborrachamos girando o siguiendo brazos que dibujan ochos infinitos. Con su cabeza y sus manos estamos dentro, estamos en Guillermo, en su pasado, en sus fuentes... en su material. Borrachos de movimiento, entramos en trance, no nos mareamos, seguimos un lenguaje lógico que repite para innovar, que juega para reinventar, que siembra para regalar, con el que discute y disfruta.
El cuerpo se hace infinito, múltiple y sobrenatural. Los yoes personales sobre el escenario nos dicen "aquí estoy", no hay más o lo hay todo, soy yo y mi trayecto, desnudo me muestro. En una especie de metaescena, vemos y recibimos tanta información y estímulos como puede haber en la mente de un coreógrafo, nos acercamos a sus contradicciones, a su deseo de transmitir y bailar. Y se nos empieza a inflamar el pecho porque estamos recibiendo esa intensidad nerviosa del creador que con deseo y pasión quiere soltar lo que tiene dentro, pero que pelea en ocasiones con las barreras para saltarlas y volverlas a construir.
Está solo y acompañado por su pasado y su presente, por tanto aprendido y vivido, pero está acompañado, porque desde el principio, bajo una luz blanca y mirándonos calmo, nos dijo: aquí estoy y aquí estáis. Entonces quiere más, pero se angustia, se vuelve a enrollar en sí mismo, se frena en la fluidez o se deja llevar y rebota su cuerpo en incesantes quiebros que nunca esperamos, que siempre sorprenden.
La tela es dorada, la vemos tendida sin construir aún en el suelo, la luz viaja con él, de oscuros, íntimos y sugeridos momentos a otros más abiertos. Pero siempre viaja, como viaja con él su equipo, porque Paloma Parra está respirando con él para abrirle las estancias que necesita y prender las chispas más oportunas.
Es una noche dorada, de galas y reflejos, de fuegos. El dorado, como color propio de la escena, del teatro, como color de lo fastuoso, del lujo... puede ser impostado, puede ser ficticio o puede ser incandescente como el fuego. Cuando la tela sube yenmarca el espacio y se refleja en nuestras caras, las contradicciones cogen su sentido, e iluminada exquisitamente y ondeada por vientos suaves se convierte en los rayos eternos del creador. Lo dorado es grande, es luminoso, es pasional, pero también es reflejo, apariencia y superficialidad... Se trata en 'Material' entonces de darle calidez a esas contradicciones y quitarle al oro su papel de impostura para darle la máxima calidez. Guillermo, con su sinceridad y su viaje, le da al oro el tono más rojo, el de la pasión y la sinceridad.
Y seguimos viajando sin parar por movimientos que entran y salen del cuerpo, que se abren para volver a entrar, porque estamos saliendo y entrando por sus miembros, como lo hacemos con él, con el coreógrafo. Viajamos por ese espacio externo de la escena y por el interno del creador. Y vuelta a empezar, no acaba, puede ser infinito, cuánta capacidad tiene un creador de dar, dónde está el límite a tanto como quiere expresar, como tiene dentro. Y vuelta a caer cruzando las piernas en un 4 y vuelta a la contorsión... Me desconcierto ante las capacidades, me dejo llevar, me emborracho, ya soy suya, no hay vuelta atrás, estoy en su mundo y quiero más.
Cuando reposa y marca la pausa con su gesto, su mirada y potente dominio conocido de la interpretación, me hago cómplice y entiendo, entiendo y agradezco estar ahí, en su mundo de sufrimientos, de ardores y desconciertos. Una perspectiva sobre su gesto, sobre lo vivido, lo aprendido. Mirar atrás, construir pisando sobre lo aprendido, visto. Pisar sobre los caminos duros del creador, del bailarín con un aplomo difícil de ver. Y entonces camina por la tela más bella, su tela dorada, camina y discute sobre sí mismo, consigo mismo. Una esquizofrenia deliciosa. Pisar sobre un camino que brilla, quema y lleva galas. No está solo porque tiene entidades e identidades distintas, opuestas y complementarias, inseguras o luchadoras, enrabietadas y tristes, con humor y descaro.
Y sigue construyendo, como construyen los ruidos que nos evocan obras de magnas construcciones. Así, sigueconstruyendo el escenario del creador, con imponentes y elevados soportes y pilares grandes que cuesta tanto levantar, así, a golpes, con ruidos violentos que no generan tanta inquietud porque él se asume en estos vaivenes interiores y físicos.
Estamos ante una pieza de lo peleado, lo roto, lo sufrido, pero lo siempre querido y deseado, lo gozado, lo reído. A lo que se le quita hierro o se le da peso y aturde, de lo que se ríe o burla como si le sacara la lengua a pasados que ya no tienen sentido, o sí. Y es que además hay humor. Cuando un artista sabe llevarte de la mano por tortuosos caminos vandeándote entre la tragedia y el humor o te acerca con la risa a terrenos duros y dolorosos o nostálgicos... te quedas ahí, incrustado. Te atrapa y quieres levantarte y hacerle una reverencia. Eso es, me provocas, me has pillado, no me lo esperaba, sigo contigo, haz lo que quieras conmigo, estoy en tu mundo. Desmitificarlo todo a la vez que le da el peso que tiene es grande, es inteligente.
Y esta pieza es inteligente, mucho, y pura y generosa, tanto que abruma. Entonces para, mira a los ojos, siento que me mira y me dice alto y claro, de nuevo, aquí estoy, esto soy, ni más ni menos.
Sorpresa la del Peta Zeta que agradezco y disfruto: saborear algo que pica, salta, incendia la boca... Siento que lo vive todo, que todo le chisporrotea desde el interior, lo vive desde dentro. Y se ríe de ello para pisarlo y quizás desecharlo.
El gran impacto que produce esta pieza, que desde que acaba quisieras volver a ver, me hace pensar en el papel del público.Abrumado por tanta sinceridad, por tanta claridad, tanto corazón abierto, tanto mundo interior, se ha convertido un poco en ese coreógrafo de contradicciones que busca materiales o que vive con ellos. Estamos impregnados de sus tortuosos y felices caminos y siento hasta vergüenza de haber entrado en su habitación, de haber visto y sentido tanto de él. Me quedo sin palabras, necesito quizás retirarme a la mía para volver a entrar a la que me dio paso con tanta generosidad. Pero estoy apabullada, aunque quiero más.
También quiero bailar, quiero moverme, expresarme, sentirme, conectar conmigo misma, porque inflama los corazones y los cuerpos, porque ha sido capaz de saltar hasta nosotros, meterse en nuestras cabezas con amor y sinceridad. La emoción ha acelerado los corazones, que ya no saben si llorar o reír, risa nerviosa. Las grandes vivencias aceleran al hombre, los sentimientos de verdad, los nervios de cuando sentimos con plenitud. Hemos percibido esencia, puereza y cuesta recuperarse.
El colofón final, un vídeo corto deliciosamente pensado, ejecutado, interpretado, dirigido, da la punzada final al corazón. Elteatro en todo su esplendor, con sus galas de nuevo pero aún más evidentes, con sus plumas y maquillajes. La belleza más grande y la más decadente al mismo tiempo. A un ritmo perfecto, acuna el final para dejarnos reposar la intensidad vivida y depositar las vísceras que Guillermo nos ha regalado en nuestros brazos, queremos acunarlo todo, queremos acariciar tanta nostalgia, llorarla, pensarla, sufrirla o disfrutarla.
Y es que esta pieza es, además de todo, de un gran equipo, el de las grandes epopeyas, con un Guillermo para mí inmenso,Paloma Parra, con la iluminación, espectacular, Vitor Joaquim con la música perfecta, y un vídeo final desde hoy imprescindible.
Siento algo extraño, siento que pierdo algo, siento tristeza, pero mucha alegría, he visto la esencia, he visto la verdad más clara en mucho tiempo, la emoción pura, me he sentido pequeña y grande, me he sentido llena de amor, de sensaciones que hacía tiempo no alcanzaba, he sentido que aquí radica el sentido de lo que más amamos, aquí está el sentido de la creación, del acto escénico, del amor por la danza. Y no quiero nunca dejar de estar cerca de todo ello, porque con 'Material inflamable' se ama de verdad la escena...
... Se ama de verdad.
Y esta pieza es inteligente, mucho, y pura y generosa, tanto que abruma. Entonces para, mira a los ojos, siento que me mira y me dice alto y claro, de nuevo, aquí estoy, esto soy, ni más ni menos.
Sorpresa la del Peta Zeta que agradezco y disfruto: saborear algo que pica, salta, incendia la boca... Siento que lo vive todo, que todo le chisporrotea desde el interior, lo vive desde dentro. Y se ríe de ello para pisarlo y quizás desecharlo.
El gran impacto que produce esta pieza, que desde que acaba quisieras volver a ver, me hace pensar en el papel del público.Abrumado por tanta sinceridad, por tanta claridad, tanto corazón abierto, tanto mundo interior, se ha convertido un poco en ese coreógrafo de contradicciones que busca materiales o que vive con ellos. Estamos impregnados de sus tortuosos y felices caminos y siento hasta vergüenza de haber entrado en su habitación, de haber visto y sentido tanto de él. Me quedo sin palabras, necesito quizás retirarme a la mía para volver a entrar a la que me dio paso con tanta generosidad. Pero estoy apabullada, aunque quiero más.
También quiero bailar, quiero moverme, expresarme, sentirme, conectar conmigo misma, porque inflama los corazones y los cuerpos, porque ha sido capaz de saltar hasta nosotros, meterse en nuestras cabezas con amor y sinceridad. La emoción ha acelerado los corazones, que ya no saben si llorar o reír, risa nerviosa. Las grandes vivencias aceleran al hombre, los sentimientos de verdad, los nervios de cuando sentimos con plenitud. Hemos percibido esencia, puereza y cuesta recuperarse.
El colofón final, un vídeo corto deliciosamente pensado, ejecutado, interpretado, dirigido, da la punzada final al corazón. Elteatro en todo su esplendor, con sus galas de nuevo pero aún más evidentes, con sus plumas y maquillajes. La belleza más grande y la más decadente al mismo tiempo. A un ritmo perfecto, acuna el final para dejarnos reposar la intensidad vivida y depositar las vísceras que Guillermo nos ha regalado en nuestros brazos, queremos acunarlo todo, queremos acariciar tanta nostalgia, llorarla, pensarla, sufrirla o disfrutarla.
Y es que esta pieza es, además de todo, de un gran equipo, el de las grandes epopeyas, con un Guillermo para mí inmenso,Paloma Parra, con la iluminación, espectacular, Vitor Joaquim con la música perfecta, y un vídeo final desde hoy imprescindible.
Siento algo extraño, siento que pierdo algo, siento tristeza, pero mucha alegría, he visto la esencia, he visto la verdad más clara en mucho tiempo, la emoción pura, me he sentido pequeña y grande, me he sentido llena de amor, de sensaciones que hacía tiempo no alcanzaba, he sentido que aquí radica el sentido de lo que más amamos, aquí está el sentido de la creación, del acto escénico, del amor por la danza. Y no quiero nunca dejar de estar cerca de todo ello, porque con 'Material inflamable' se ama de verdad la escena...
... Se ama de verdad.
Texto: Nerea Aguilar
Fotografía: @Pollobarba
Fotografía: @Pollobarba
Estreno del vídeo promocional de Material Inflamable: http://guillermoweickert.com/?p=1086
Material Inflamable en Teatro Central Sevilla: https://www.youtube.com/watch?v=QJHL7YrFclk
